Auteur/autrice : Yannick Le Fur

Spécialisé depuis de nombreuses années dans les portages et autres remasters, Aspyr semblait être le candidat logique pour redonner du peps aux premières aventures de Lara Croft. Bien que la société américaine n’ait pas toujours brillé par la qualité de ses adaptations, les premiers visuels de Tomb Raider I-II-III Remastered témoignaient d’un joli travail graphique à même d’attirer les curieux qui ne connaîtraient la licence qu’à travers les opus plus récents. Malheureusement, cette compilation est loin de remplir totalement son office dès lors qu’on s’y intéresse de plus près.

Tomb Raider est un jeu culte, de ceux qui ont durablement marqué les joueurs qui s’y sont essayé sans parler de son impact sur l’industrie. Sans lui, nous n’aurions sans doute jamais eu d’Uncharted qui, ironiquement, prendra la place de leader à tel point que Tomb Raider lui-même s’en inspirera des années après. Mais ceci est une autre histoire. A la fin des années 90, quand sort le premier Tomb Raider sur PlayStation, l’enchantement est là. Oui, la belle avance avec la grâce d’un 38 tonnes mais la proposition est dépaysante : un exotisme à toute épreuve, de vastes niveaux nécessitant de l’observation pour les traverser, des énigmes parfois retorses, de l’action… et un tyrannosaure ! Comment refuser pareille invitation ? Mais ça, c’était en 1996 et si les deux épisodes suivants amélioreront la formule (en y ajoutant des véhicules, des armes et davantage de polygones pour Lara), y jouer en 2024 est un peu plus compliqué.

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Les jeux ont effet évolué, leur maniabilité également et ce qui était acceptable il y a 28 ans ne l’est plus vraiment aujourd’hui. Conscient de cet état de faits, Aspyr a ainsi ajouté un gameplay moderne inspiré de celui des titres de la première trilogie de Crystal Dynamics. Intéressant sauf que dans les faits, c’est difficilement jouable puisque le tout n’est absolument pas adapté au level design de l’époque construit par blocs et nécessitant donc une certaine gymnastique pour enchaîner les sauts. En somme deux solutions s’offrent à nous : tenter de maîtriser le gameplay moderne ou revenir au gameplay d’origine en optant qui plus est, durant les moments les plus délicats, pour la croix de direction afin de diriger Lara, les sticks s’avérant trop sensibles.

Certes, la possibilité de sauvegarder à tout moment sera d’une grande aide mais la frustration reste présente malgré un lifting graphique très agréable (tous les modèles 3D ont été refaits, les éclairages sont améliorés bien que parfois un peu sombres) et la possibilité de pouvoir switcher d’une simple touche entre visuel d’époque et moderne. D’ailleurs, vous devrez parfois le faire pour dénicher certains objets, plus visibles avec les graphismes originaux qu’avec ceux repimpés. Précisons cependant que depuis la sortie, le tout a été patché avec des points d’interaction plus voyants. Encore faudra-il être suffisamment prêt de l’objet recherché (parfois indispensable pour progresser) afin de les repérer.

Au rayon, des petites nouveautés, on notera également un mode photo, assez limité dans ses options mais pouvant servir à se balader entièrement dans les niveaux pour y dénicher certains secrets. Citons également une pléthore de Trophées/Succès (269 pour être exact) qui ne masquent en rien une certaine paresse de la part du développeur. En effet, outre les problèmes émis plus haut, on pourra citer, de façon plus anecdotique, des traductions hasardeuses (choix entre Contrôles Modernes et Contrôles du Char… pardon ?, «Faire une roulade» pour choisir l’inclinaison de la caméra du mode Photo…), la façon d’accéder audit mode Photo jamais expliqué (L3 + R3 sur PlayStation), les soucis de caméra laissés en l’état ou bien encore les cinématiques d’époque en SD. Ce dernier point est malheureusement assez fréquent pour ce type de production même si avec l’aide de l’IA, il eut été simple d’avoir des vidéos en UHD. Dommage.

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Difficile donc d’émettre un avis tranché sur ce remaster puisqu’en parallèle des critiques émises, le contenu proposé est conséquent : Tomb Raider, Tomb Raider II, Tomb Raider III, chacun proposant un DLC jamais sorti sur consoles. La bonne pioche même si en y (re)jouant, on constatera que les développeurs de l’époque en voulaient à priori aux joueurs tant la difficulté de ces derniers est parfois rebutante. Si on ne reviendra pas sur Tomb Raider III, sans doute l’opus le plus difficile de la saga, citons par exemple le DLC de Tomb Raider II, Le Masque d’Or, qui à peine après avoir largué Lara dans une eau glaciale infestée de requins la confrontera à un jaguar des neiges et deux pièges mortels en l’espace de moins de deux minutes.

Pour autant, la nostalgie nous incite à nous accrocher car il est tout de même plaisant de retourner des années en arrière, lorsque la saga était davantage tournée vers l’exploration que l’action, avec ces pièges à déjouer, ces jungles à écumer, ces temples à explorer et ce dans une ambiance sonore privilégiant les silences, les bruits d’ambiance épaulés par les discrètes mais très belles partitions de Nathan McCree. Tomb Raider II & III délaisseront quelque peu cette atmosphère pour nous faire voyager à Venise ou au Nevada mais ces suites conserveront cet aspect fantastique, inspiré des Indiana Jones, qui nous fera affronter momies, dragons et autres créatures cauchemardesques.

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En somme, Tomb Raider I-II-III Remastered est une compilation nimbée d’une aura toute particulière tant les trois jeux ici présents ont marqué la génération PlayStation. A l’inverse, on regrettera qu’ Aspyr n’ait produit que le minimum syndical en privilégiant la forme au détriment de son gameplay qui aurait sacrément eu besoin d’un gros coup de polish à l’image de ce qu’avait su faire le superbe, bien qu’incomplet, fan remake de Tomb Raider II par le français Nicobass, sous Unreal Engine 4. On devra donc s’en contenter même si il y avait sans doute plus belle façon de rendre hommage à l’icône qu’est Lara Croft.

Réimaginer un classique du jeu vidéo n’est jamais chose aisée. Le moderniser sans trahir la proposition initiale, le destiner aux fans comme aux profanes, affiner la forme comme le fond. Ubisoft s’était déjà essayé à l’exercice en repensant de multiples fois Prince of Persia, le chef-d’oeuvre de Jordan Mechner, notamment en 2008 à travers un jeu d’action/aventures esthétique, immersif mais manquant malheureusement de substance. 16 ans plus tard, la saga sort de sa retraite à travers un Metroidvania aussi superbe que challengeant. Un pari ambitieux bien que s’inscrivant de manière naturelle dans le genre qui l’a vu naître.

Alors qu’Ubisoft est souvent assimilée à la seule et unique franchise Assassin’s Creed, l’éditeur français n’en possède pas moins un trésor de guerre comprenant des sagas comme Splinter Cell, Rainbow Six, Might & Magic, Les Lapins Crétins. Prince of Persia en fait indubitablement partie même si son histoire commence sans Ubi, en 1989, dans le garage de Jordan Mechner. Ubisoft en récupérera les droits en 2001 et sortira en 2003 l’épisode des Sables du Temps, soit le quatrième opus de la saga et premier épisode de la trilogie des Sables qui accueillera en 2004 et 2005 les deux épisodes suivants. Oui, ça ne chôme pas. En 2008, on notera la volonté de relancer la série (qui s’offrira entre temps un spin off stratégique sur Nintendo DS du nom de Battles of Prince of Persia) avec un épisode plus ouvert, au simple nom de Prince of Persia, profitant d’une très belle DA mais sans véritable fin et ce malgré l’ajout d’un DLC. La même année sort sur Nintendo DS The Fallen King qui devait ouvrir la voie à une nouvelle série de jeux. Il n’en sera rien et hormis l’excellent Sables Oubliés en 2010 (se situant entre Les Sables du Temps et L’Ame du Guerrier) puis un jeu mobile huit ans plus tard, la licence semblait vouer à mourir de sa belle mort. C’était sans compter le remake annoncé (pressenti annulé puis finalement rebooté) des Sables du Temps mais aussi et surtout The Lost Crown qui nous intéresse ici. Une résurrection aussi étonnante que salutaire pour une saga semblant aussi intemporelle que sa thématique.

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The Lost Crown part donc d’un principe simple : renouer avec les racines de la série mais aussi du genre plate-former via un titre en vue horizontal aussi exigeant qu’artistiquement abouti. Autant le dire tout de suite, Ubisoft Montpellier a remporté son pari haut la main en soignant aussi bien la forme que le gameplay tout en réussissant à adresser son jeu à un vaste public, qu’il soit adepte des expériences sans prise de tête ou à l’inverse demandeur d’un véritable challenge. Ce dernier point est en soi une prouesse car le titre se présente comme un Metroidvania entièrement construit autour de somptueux mais difficiles combats de boss ainsi que d’innombrables passages réclamant beaucoup de skill de notre part. Ainsi, si vous optez pour le mode Normal (ou les deux niveaux de difficulté suivants), la notion de Die & Retry prendra tout son sens. Si les premiers pas seront ardus et synonymes d’énervements (surtout si vous n’êtes pas adeptes du genre à l’image de votre serviteur), le tout passera par une phase d’apprentissage et de maitrise du gameplay jusqu’à ce que la frustration s’estompe et laisse sa place à la véritable satisfaction d’avoir vaincu un adversaire, d’avoir passé une phase de plates-formes. La progression et la courbe d’évolution étant parfaitement dosées, on ressentira alors un vrai plaisir à découvrir le titre et à revenir sur nos pas afin de dénicher les secrets à disposition, qu’ils étoffent le lore, améliorent notre personnage ou qu’ils soient synonymes d’amulettes sur lesquelles je reviendrais plus tard.

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Comment les développeurs ont-ils fait pour rendre leur jeu accessible aux moins gameurs d’entre nous ? Outre le fait de pouvoir entièrement personnaliser votre expérience (santé des ennemis, puissance de ces derniers…), vous aurez aussi et surtout la possibilité d’utiliser des portails pour éviter les passages de plates-formes les plus délicats. Bien entendu, ceci dénature l’expérience initiale et annule le sentiment de progression dont je parlais plus haut mais il faut toutefois saluer l’accessibilité du jeu qui ne laisse personne sur le carreau. En somme tout l’inverse de la philosophie From Software mais ceci est un autre débat. Prince of Persia : The Lost Crown est un jeu bien pensé mais ce n’est pas la moindre de ses qualités même si il possède quelques défauts à commencer par sa narration.

Ainsi, bien qu’Ubisoft ait repris l’univers oriental du jeu original, on ne peut pas vraiment dire que le scénario (faisant état d’un prince à sauver par un groupe de guerriers, les Immortels, dont notre héros, Sargon, fait partie) soit des plus passionnants, ceci valant aussi bien pour l’histoire qui grille trop rapidement ses cartouches ou même les relations entre personnages, peu nombreux, et ayant finalement des interactions très limitées. Notons toutefois plusieurs collectibles étoffant le lore à travers des témoignages de personnes prisonnières du Mont Qaf (l’endroit où se déroule l’entièreté de l’aventure) ou des récits plus anciens, passionnants à découvrir puisque s’inspirant d’une culture à la cosmogonie très riche. Ainsi, bien que manquant d’épaisseur, le scénario tracera néanmoins une ligne rouge qu’il vous faudra suivre pour avancer et récupérer des pouvoirs indispensables pour la suite de l’aventure ou le 100% de complétion. Mais avant d’y arriver, vous aurez compris que les épreuves jalonneront votre périple.

Sur ce point, le flow du jeu est millimétré, en alternant avec une précision de métronome affrontements comme des ordres de créatures issues d’un bestiaire très varié, passages de plates-formes réclamant une excellente maitrise du gameplay et des réflexes aiguisés et les combats de boss que je citais au-dessus. Il est d’ailleurs bon de s’attarder sur ceux-ci tant ils s’avèrent parfaitement pensés en demandant aux joueurs d’user au mieux de toutes leurs capacités tout en analysant les patterns des ennemis pour espérer en venir à bout. Les boss représentent une véritable épreuve tout en étant la plupart du temps synonyme d’obtention d’une nouvelle capacité. Y aller la fleur au fusil ne servira pas à grand-chose et à l’instar de ce que propose n’importe quel From Software, une bonne préparation sera fortement recommandée.

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Libre à vous dans ce cas de revenir dans les zones inexplorées pour espérer glaner quelques pétales afin d’augmenter votre jauge de vie, des potions supplémentaires synonymes de régénération, diverses amulettes aux effets variés ou pour rendre une visite à Kaheva, forgeronne qui se fera un plaisir d’améliorer votre équipement moyennant cristaux, pièces ou matériaux spécifiques que vous pourrez obtenir en réussissant des phases de plates-formes plus corsées ou en résolvant quelques énigmes intelligemment intégrées. Bref, les combats seront des moments épiques sacralisés à travers des attaques à la mise en scène inspirée, fortement influencée par les Shonen Nekketsu, et un rythme soutenu.

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La mise en scène que je mentionnais n’est d’ailleurs qu’une des facettes de la magnifique DA du jeu, faisant par ailleurs oublier son niveau technique n’atteignant jamais des sommets. Rien de vraiment préjudiciable cependant puisque cet aspect est contrebalancé par des environnements variés, plusieurs plans à l’enivrante beauté ou le copieux bestiaire lui aussi imprégné de toutes ces légendes venues d’Orient. Ce mélange associé à un univers foisonnant finiront de nous happer pour peu qu’on n’ait pas lâché l’affaire après être morts des dizaines de fois à la première difficulté. Comme je le disais, outre les options d’accessibilité, vous devrez ne jamais hésiter à cleaner chaque zone composant l’imposante map du jeu (un prérequis du genre) pour dénicher d’innombrables amulettes. Celles-ci vous seront d’une aide inestimable d’autant que vous pourrez les cumuler pour peu que vous ayez obtenu les améliorations requises. En plus de vous faciliter la vie, le choix desdites amulettes sera fortement impacté par votre style de jeu. Vous êtes plus à l’aise pour enchaîner les combos dans les airs ? Optez pour Quatre Étoiles Royales. Vous en avez assez de perdre face à un passage de plates-formes  et de reprendre à un check point ? Equipez-vous de Robustesse pour profiter de trois fois plus d’essais. Vous vous sentez fragile au corps à corps ou n’arrivez pas à maîtriser le contre ? Jetez un œil à l’amulette du Mauvais Oeil ou celle du Danseur aux sabres.

Si une bonne préparation au combat sera la clé de la réussite, il vous faudra aussi et surtout maîtriser le gameplay pour atteindre les cimes du Mont Qaf. Sur ce point, pas de secret, seul l’entraînement prévaudra pour réussir à enchaîner double saut ou user au bon moment de certains pouvoirs temporels aussi fun qu’utiles. Je pense ici au retour dans le temps synonyme d’une sorte d’écho de vous-même que vous pourrez placer n’importe où pour ensuite, d’une simple pression, rejoindre. Le vortex, lui, vous proposera d’emprisonner un ennemi pour ensuite le catapulter sur des zones destructibles ou un autre adversaire afin qu’ils s’affrontent. Tous ces éléments seront progressivement mis à contribution pour enrichir combats et passages de plates-formes. Toutefois, on pourra toutefois regretter par moments certains pics de difficulté d’autant qu’il vous faudra aussi gérer la puissance de vos sauts (grâce aux boutons analogiques) ou l’orientation de ces derniers tout en négociant les pièges mortels. Un peu frustrant comme certains check points un peu éloignés bien que ceux-ci soient nombreux tout comme les portails de téléportation et autres arbres Wak Wak, indispensables pour sauvegarder en plus de la récupération complète de votre santé.

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On pourra également regretter que le timing de certains combos (pensés autour de vos aptitudes et armes -doubles cimeterres, arc et chakram fonctionnant comme une sorte de boomerang-) soit trop précis et qu’on laisse rapidement tomber ces derniers en privilégiant les contres et les attaques les plus simples, technique fonctionnant très bien sur la plupart des ennemis lambda. Pour autant, le titre ne perd jamais de vue cet équilibre entre action, réflexion et plates-formes tout au long de sa progression et n‘aura de cesse de nous immerger dans son univers et ce malgré un doublage français des plus bancals. Un point de détail qui ne devrait certainement pas vous empêcher de profiter de cet excellent Metroidvania aussi généreux qu’exigeant.

Sans doute galvanisé par les excellentes ventes des remakes des Resident Evil, Konami est sortie de sa retraite léthargique en annonçant quantité de projets autour d’une de ses licences cultes, Silent Hill. Après Silent Hill Ascension et en attendant le remake du magnum opus de la saga, Silent Hill 2, la société japonaise nous offre un jeu entièrement gratuit fortement influencé par le Silent Hills avorté de Kojima et la série des Layers of Fear. Un galop d’essai intéressant à défaut d’être passionnant.

Tournant autour du thème du suicide adolescent (malheureusement très présent au Japon), The Short Message ne choisit pas la voie de la facilité pour relancer la saga Silent Hill. Se déroulant en vue subjective (à l’image d’une partie de The Room, le 4ème épisode de la série), le titre n’entretient pourtant aucun véritable rapport avec les autres jeux, hormis quelques références (un panneau par ci, une coupure de journal mentionnant la bourgade par là) et les compositions, plus nuancées, moins marquées, du grand Akira Yamaoka. Pour marquer cette différence, le titre se déroule sur le vieux continent, en Allemagne plus précisément, dans la ville de Kettenstadt. Pour autant, on ne ressent jamais l’influence de la vieille Europe puisqu’au delà d’utiliser les gimmicks de la saga, The Short Message se déroule entièrement dans un complexe d’appartements abandonnés, lieu de villégiature de graffeurs, également célèbre pour ses nombreux suicides d’adolescentes.

Mal dans sa peau, Anita est l’une d’entre elles, paumée se complaisant dans une sorte de marasme duquel elle ne semble pas vouloir sortir. Piégée aussi bien mentalement que physiquement dans cet immeuble décrépi, elle semble errer sans but jusqu’à ce qu’elle reçoive un SMS de son amie Maya, artiste renommée sur les réseaux sociaux qui s’est récemment suicidée en sautant du toit dudit immeuble. Le point de départ de The Short Message donne le ton et durant les deux heures qu’il vous faudra pour traverser cette aventure, il n’en changera pas, du moins jusqu’à son final teinté d’espoir. En premier lieu, on pourra cependant se demander si le titre, essayant vaille que vaille d’y inclure l’ensemble des poncifs de la série (le brouillard, l’univers altéré, les grésillements annonciateurs d’un danger à venir…), en reprend bien les fondements à travers la quête de son personnage central.

Il est compliqué de répondre à cette question tant le personnage d’Anita ne génère pas vraiment l’empathie qu’on pouvait avoir pour James Sunderland ou Harry Mason désireux de braver l’inconnu afin de retrouver un être cher disparu. Dans le cas de The Short Message, l’impression d’avoir affaire à une sorte de persona représentant toute une jeunesse désabusée prévaut et il sera donc difficile de s’identifier au personnage d’autant qu’Anita semble constamment perdue en se bornant à répondre aux messages de Maya et d’Amélie, sa meilleure amie. D’ailleurs, les conversations avec cette dernière dénotent avec l’ambiance générale puisque tournant autour de sujets plus « communs ». On trouvera donc étrange qu’Anita ne fasse jamais mention de sa situation et réponde à son amie sans prendre le temps de lui expliquer ce qui lui arrive. D’autant plus étrange qu’à l’instar de P.T., Anita vivra plusieurs fois les mêmes boucles en s’enfonçant plus profondément dans sa psyché mais aussi le passé de Maya, via des flash-back en live action, plutôt cheap il faut le dire, autant dans le jeu tout relatif de l’actrice que son doublage américain. Le parti pris est plutôt étrange, certes atypique mais n’aidant pas nécessairement à s’immerger dans l’histoire.

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L’immersion, l’empathie, c’est sans doute ce qui manque à The Short Message pour briller au sein de la galaxie Silent Hill. Difficile de dire si des personnes ayant été un jour dans cet état d’esprit seront plus impliquées mais en l’état, au-delà de personnages sans vrai background, la structure même du jeu, nous demandant d’errer d’appartement en appartement, de résoudre une ou deux «énigmes» des plus basiques tout en récupérant divers documents nous renseignant sur la situation de la ville et le passé des protagonistes, a du mal à mettre dans le mille. Pourtant, certaines idées plus subtiles (le fait de baisser la caméra lors du flash-back durant lequel Anita se rappelle de son enfance) sont intéressantes, la créature nous pourchassant à intervalles réguliers est plutôt réussie mais ici aussi, le tout s’inscrit dans une logique davantage mue par la série, ses codes, que l’envie de voir plus loin en nous proposant une vraie profondeur narrative. Tout n’est pas à jeter dans The Short Message, loin de là, mais l’impression de voir une toile inachevée ne sachant jamais vraiment ce qu’elle doit représenter lui colle à la peau.

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Jamais effrayant, manquant de profondeur, malgré la pléthore de documents à récupérer, lardé par d’innombrables et peu intéressants échanges SMS, The Short Message finit par se saborder de lui-même en ne parvenant jamais à nous inclure dans son univers, qu’on soit ou non familier de Silent Hill. Ne reste plus qu’à attendre les autres itérations de la saga en espérant qu’elles côtoient la qualité des trois premiers opus à commencer par le sacro-saint Silent Hill 2 dont le remake en préparation peine pour l’instant à convaincre autant dans sa technique que l’axe choisi pour communiquer. Pour l’heure, l’avenir de la saga de Konami semble aussi brumeux que la bourgade américaine…

Suivant le précepte qu’un remaster en cache toujours un autre, PlayStation continue sur sa lancée et nous offre celui de The Last of Us Part II après l’excellent remake de la Part I. Certains argueront du fait (à raison) que la société tire peut être un peu trop sur la corde sauf qu’au-delà du léger lifting graphique (et ainsi le préparer à une sortie PC), Naughty Dog y a apporté plusieurs ajouts. Reste à savoir si ces derniers apportent un surplus de valeur ajoutée. Mais pour l’heure, revenons sur le jeu original…

Sept ans, c’est le temps qu’il nous aura fallu attendre pour enfin découvrir de quoi a été fait la vie de Joël et Ellie après les atrocités qu’ils ont vécu et enduré. Sept ans à imaginer comment Naughty Dog allait pouvoir concrétiser (ou non) les fantasmes de millions de joueurs restés pantois face à ce plan final de The Last of Us, chargé d’une émotion intense, mais surtout d’une multitude de questions. La réponse est enfin là et comme nous pouvions nous en douter, elle sera synonyme de tendresse, d’émerveillement, mais aussi de beaucoup de souffrance.

The Last of Us fut un jeu aux influences ouvertement cinématographiques et nourri par son envie de raconter une histoire poignante entre un homme et une jeune fille sur fond de pandémie ayant décimé la plupart des êtres humains. Quand on y regarde de plus près, le titre de Naughty Dog n’innovait pas vraiment dans son gameplay (correct, mais loin d’être exempt de tout reproche) ni même ses références, le tout se situant à la croisée des chemins de I am Legend et de La Route. Pourtant, The Last of Us est aujourd’hui considéré comme un chef-d’oeuvre. Comment expliquer cet état de faits ? S’il tient tout d’abord au ressenti personnel de l’histoire, il passe également par le travail sur ses personnages principaux dont la relation évoluera tout au long du jeu jusqu’à faire naître des émotions perdues chez Joël à l’égard d’Ellie, passant de simple «colis» à un substitut de sa fille perdue.

Dès lors, le réalisateur Neil Druckmann, aidé de la scénariste Halley Gross, n’auront de cesse de jouer sur cette corde sensible en confrontant son duo aux atrocités d’un monde où la barbarie omniprésente a entraîné une notion cruciale de survie ayant depuis longtemps modifié les comportements humains. Emouvant et sanglant, The Last of Us aura marqué les joueurs par la justesse de ses situations et la subtilité de sa narration. Reprenant le récit quatre ans après la fin du premier volet, Part II va tout au long de son intrigue s’attacher à nous décrire ce qui s’est passé durant cette ellipse temporelle afin de mieux nous faire comprendre le parcours d’Ellie et de Joël tout en introduisant le fantastique personnage d’Abby, nouvelle antagoniste de cette seconde partie, aussi déterminée dans sa quête vengeresse qu’Ellie, aussi meurtrie par ce monde impitoyable.

Humaniser son ennemi

A l’image de ce monde post-apocalyptique ayant redéfini les fondements mêmes des rapports entre individus, les différents protagonistes de cette suite ont dû s’adapter, changer, parfois au delà de leurs propres convictions, pour survivre. Alors que le premier The Last of Us s’articulait autour de l’affrontement entre la milice des Lucioles et les forces militaires de la FEDRA, Part II rabat les cartes en intégrant deux autres groupuscules, le Front de Libération de Washington (WLF) et les Scars menés par une mystérieuse prophète. Posant une toile de fond plus ample, ce second épisode ne cessera d’alimenter nos réflexions en créant des jeux de miroirs entre les vies d’Ellie et d’Abby. Si Druckmann et Gross n’arrivent pas toujours à offrir une véritable légitimité à certains personnages secondaires en les creusant suffisamment, ils parviennent une fois de plus à humaniser nos ennemis en ne les présentant nullement comme de vulgaires cibles à abattre mais au contraire, en leur offrant une véritable épaisseur, un passé, des convictions et une raison d’être. A l’image de David dans The Last of Us, Abby n’est pas qu’une simple guerrière mue par un désir irréfléchi de violence. Ainsi, tout au long de l’aventure, on apprendra à la connaître, à l’apprécier même, ceci étant sans doute la plus grande force du jeu mettant constamment en perspective ce qu’ont vécu ses personnages pour mieux nous amener à réfléchir au sens de nos actions.

Misant à nouveau sur un aspect road movie, Part II use des ressorts propres au genre pour développer une histoire d’amour tout en conservant ce qui a cimenté le premier épisode : la relation entre Ellie et Joël. A l’image de ce qu’avait déjà fait le DLC Left Behind, The Last of Us Part II nous replongera à plusieurs reprises dans le passé via différents flash-back. Tantôt terrifiants, tantôt émouvants, ces passages servent parfaitement la narration en se posant comme autant de moments de vie ayant (dé)construit une relation basée sur l’amour d’un père qui ira jusqu’à se transformer en mensonge, en égoïsme, afin de prolonger ce bonheur quitte à sacrifier une nouvelle fois l’humanité. Tout en évoquant le passé, Part II offre également un présent à son casting, Ellie notamment, éprise de Dina, un très beau personnage féminin campé par Shannon Woodward (Raising Hope, Westworld), toujours juste dans son interprétation. La relation unissant les deux jeunes femmes sert ainsi de contre-poids à une réalité bien plus dure synonyme d’affrontements brutaux qui émailleront le voyage des jeunes femmes, de Jackson à Seattle.

What a painful world

L’occasion pour Naughty Dog de nous offrir l’un des plus beaux jeux de la PS4, par le biais de décors semi ouverts proprement majestueux et de scènes plus claustrophobiques noyées dans une obscurité chargée de spores et des teintes rougeâtres des plus anxiogènes. Bien plus éclectique que le premier volet, The Last of Us Part II accumule les lieux dépeignant avec maestria un univers exsangue à travers villes dévastées, immeubles en ruines ou sous-sols suintants. Profitant de magnifiques jeux de lumière, le titre se complaît dans une variété environnementale étonnante nous poussant à nous arrêter constamment pour admirer le travail des artistes. Si d’un point de vue macro, cette suite ne souffre quasiment d’aucun défaut, elle étonne également au niveau des animations faciales. Les expressions, criantes de réalisme, simulent l’effort, la joie mais aussi la souffrance qui se lisent sur le visage des protagonistes, qu’ils soient centraux ou non, et ce aussi bien à travers un dialogue qu’une stealth kill.

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La technique sert ainsi la narration en offrant aux moments intimistes, ou aux excès de rage, une crédibilité de chaque instant renforçant parfaitement l’immersion. Sur ce point, mentionnons aussi la gestion des dégâts, les ennemis pouvant être démembrés ou perdre une moitié de leurs visages en fonction de l’impact des balles. Les animations corporelles ne sont pas en reste et si on décèle quelques imperfections (la «marche arrière» trop mécanique ou les sauts manquant d’amplitude), la grosse majorité font montre d’une véritable souplesse rendant les empoignades ou gestes plus communs (enjambement d’un muret, rechargement d’une arme) parfaitement réalistes.

Le sens du détail

D’un strict point de vue de la construction, Part II n’innove pas vraiment et une impression de déjà-vu se fera forcément ressentir d’autant que durant la trentaine d’heures qui vous seront nécessaires pour boucler l’aventure, le schéma restera identique. On naviguera donc constamment entre séquences faisant évoluer l’histoire et traversée d’un lieu donné, l’objectif à atteindre passant automatiquement par la découverte d’innombrables lieux propices à des échauffourées avec des infectés, des Scars ou les Wolfs. Comme il y a sept ans, la façon d’opérer sera sensiblement différente en fonction des ennemis bien que le jeu nous enjoigne à utiliser l’infiltration plutôt que l’approche directe tant on aura tôt fait d’être rapidement débordé. Si le tout fonctionnait plutôt bien dans The Last of Us, malgré un vrai classicisme, l’IA ennemie n’était pas au diapason et notre compagnon, invisible aux yeux de nos ennemis, provoquait parfois des situations des plus cocasses. Bien que toujours imparfait, Part II fait grandement évoluer les choses. Ainsi, lorsque nous sommes épaulés par un partenaire, ce dernier se placera de façon plus réaliste et se montrera bien plus utile en blessant ou en achevant nos adversaires au moment opportun. Ca n’a l’air de rien, mais croyez bien que ceci ajoute une dimension plus convaincante à ces phases de gameplay. Il faut aussi comprendre que Naughty Dog a travaillé sur quasiment tous les aspects de ces séquences afin de leur insuffler une tension constante, aidées en cela par les compositions de Santaolalla servant régulièrement de pouls à l’action.

L’aspect sonore, en plus de marquer la mesure, nous renseignera aussi sur le degré de menace, la musique, discrète mais omniprésente tant que nous ne sommes pas repérés, s’emballant prestement dès lors qu’un ennemi nous voit. Une fois encore, l’immersion s’avère incroyable d’autant que les gardes ne manqueront pas de communiquer entre eux, de siffler pour marquer leur présence, ou d’hurler le nom d’un de leurs camarades abattus. Dès lors, le chassé deviendra le chasseur, ceci nous poussant à varier les plaisirs en utilisant tous les moyens mis à disposition pour écrémer les rangs ennemis. On n’aura alors de cesse de jongler entre les différentes armes disponibles, de se cacher dans les hautes herbes pour surprendre nos adversaires ou même de retourner à certains moments les infectés contre les miliciens, à l’image de ce que Days Gone proposait déjà. Jouissif.

On reprochera malgré tout que la technique consistant à jeter un objet vers un ennemi pour le déstabiliser afin de l’éliminer d’un seul coup, soit toujours trop efficace, même dans les niveaux plus avancés où les adversaires seront mieux équipés. Anecdotique cependant puisque cette fois, les ennemis seront plus difficiles à contourner ou à appréhender grâce à des routines plus évoluées ou bien encore les chiens de garde pouvant nous flairer et nous suivre sur de longues distances. Il conviendra alors de les éliminer en premier et ce même, si à l’image de votre serviteur, cela vous fendra à chaque fois le cœur. Difficile également de ne pas encenser le travail sur le level-design. Que ce soit en usant des différents étages des bâtiments ou des zones plus ouvertes, propices au retrait pour mettre en place une stratégie, Part II offre toujours au joueur une pluralité de chemins. On regrettera tout de même que les passages sous-marins (très réussis au demeurant, notamment grâce à une très bonne gestion de la lumière et des particules) n’aient pas été davantage mis à profit.

Ce soucis du détail se retrouve également dans une mécanique issue du premier volet nous demandant de trouver des matériaux pour améliorer nos armes, que ce soit dans des coffres (dont il faudra dénicher la combinaison) ou bien encore des zones accessibles en résolvant quelques «énigmes» basées sur la physique. En effet, pour upgrader notre équipement, il nous faudra trouver des établis synonymes d’une multitude d’animations associées. Ici aussi, cela peut sembler secondaire, mais voir Ellie allumer une lampe avant de commencer à bricoler ou changer chaque pièce de l’arme qu’elle améliore rend ces passages communs bien plus vrais. Le système d’upgrades, justement, a été légèrement repensé. Désormais, vous ne pourrez améliorer qu’une seule fois chacun des éléments de vos armes en utilisant un unique type de ressources.

Bien entendu, on pourra encore crafter divers items (cocktails molotov, mines, surins, kits de soins…) via un système hérité du précédent volet. Le switch rapide d’armes/objets lié à la croix directionnelle n’a, lui, pas évolué et pour peu que vous trouviez des holsters, il sera possible de le faire plus rapidement. Enfin, il conviendra d’améliorer vos capacités. Ici aussi, peu de changements par rapport à ce que proposait The Last of Us puisqu’il vous faudra trouver des magazines synonymes d’arbres de compétences puis utiliser des pilules pour débloquer les skills afin de gagner en résistance, d’affiner la perception de vos ennemis, etc.

The Last of Us

Tout efficace qu’est le gameplay, on reprochera toutefois quelques gunfights parfois confus, à cause d’une absence de lock, ou des affrontements contre des ennemis plus imposants, assez quelconques à cause de patterns trop faciles à analyser. Pour autant, chaque combat sera l’occasion de ressentir une excitation certaine d’autant que le jeu s’avère rarement punitif grâce à un système de check point bien pensé.

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La survie passera donc aussi bien par l’exploration, indispensable pour améliorer ses attributs et son équipement, que l’affrontement face à des ennemis plus intelligents ou des infectés dont les nouveaux venus vous procureront quelques montées d’adrénaline. Haletantes, les rixes se ponctueront parfois par des choix moraux n’ayant finalement aucun impact. En effet, de façon aléatoire, le dernier membre d’une escouade en vie nous suppliera de l’épargner, le choix de l’éliminer ou non se soldant de toute façon par sa mort. Une idée pour le moins étrange, fragilisée par l’obligation constante de tuer et devenant d’elle-même caduque dans la destinée de nos héros régulièrement poussés dans leurs derniers retranchements.

Au delà de cette façon un peu superflue de nous rappeler que le concept de moralité est ici central (du moins au sein de l’histoire), The Last of Us Part II met constamment dans le mille, que ce soit à travers son scénario, ses thématiques ou son gameplay. Piochant dans divers genres cinématographiques, du film d’horreur à celui d’aventure en passant par le film de guerre, le titre de Naughty Dog fait montre d’une créativité sans faille afin de maintenir l’intérêt du joueur du début à la fin. Généreux de bout en bout (au point d’étirer peut-être un peu trop sa narration dans le dernier tiers), trouvant un équilibre, pourtant précaire, entre sauvagerie et tendresse infinie, cette suite se laisse savourer jusqu’à son plan final, simple, mélancolique et d’une véritable justesse.

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Jouant du début à la fin avec nos émotions, cette suite oscille constamment entre rêve éveillé, où la tendresse d’un échange figé à jamais dans un lointain passé suffira à nous émouvoir, et brutalité du temps présent indissociable d’un chemin de croix mû par un implacable sentiment de vengeance. Faisant de l’imprévisible une norme, débordant de créativité à travers des instants empreints de délicatesse, cette suite surprend et nous fera réfléchir à la conséquence de nos actes tout en nous malmenant émotionnellement. Ayant peaufiné son gameplay, désormais bien plus immersif, cette Part II s’impose comme un fabuleux titre d’action/infiltration mais aussi et surtout comme un récit, se perdant parfois dans quelques étirements narratifs et autres scènes superflues mais ne déviant jamais de sa ligne directrice vouée à offrir à ses personnages une conclusion, qu’elle soit heureuse ou non. Comme toutes les créations portant la marque de leurs auteurs, The Last of Us Part II suscitera des débats, des réactions, ce qui, à l’image de ses protagonistes, reste terriblement humain. Qu’on apprécie ou non, il reste ici une œuvre majeure qui nous hantera plusieurs jours après l’avoir terminé et qu’on évoquera désormais comme le nouvel exemple à suivre dans son domaine ou plus simplement comme une histoire époustouflante, déchirante et magnifique à la fois.

Un Remaster indispensable ?

Avant de s’attarder sur son contenu, entendons nous bien. Malgré son statut de jeu PS4, The Last of Us Part II avait atteint un tel niveau visuel qu’il mettait à l’amende quasiment tous ses concurrents. En partant de ce postulat de départ, deux réflexions s’imposent. Premièrement, le jeu a incroyablement bien vieilli et s’impose encore aujourd’hui comme un mètre étalon visuel, même en comparaison de certains jeux PS5. De ceci découle la seconde réflexion voulant que ce n’est donc pas tant les quelques améliorations graphiques qui impressionnent que le travail effectué par Naughty Dog il y a quatre ans. Ainsi, au-delà de permettre à un nouveau public de découvrir le jeu, c’est bel et bien par le biais de ses contenus supplémentaires que Part II Remastered arrivera à faire du gringue à qui l’aura déjà acheté précédemment d’autant qu’il n’en coûtera que 10 euros dans ce cas de figure.

Débutons par le mode Guitare Libre qui, comme son nom l’indique, vous permettra de reproduire de magnifiques cover de vos morceaux préférés à la guitare en « incarnant » Joël, Ellie ou le compositeur Guistavao Santaolalla qu’on pouvait voir dans le jeu, à Jackson. Rien de plus à ajouter sachant qu’on pouvait déjà profiter de cette feature dans le jeu de base et y revenir à souhait pour peu qu’on ait une save dédiée.

Plus original, les Lost levels. Au nombre de trois, ces niveaux coupés, inachevés, s’avèrent particulièrement intéressants pour qui aime le process créatif derrière la façade polie du jeu terminé. Ainsi, passée une introduction de Neill Druckman, nous avons la possibilité d’explorer une fête à Jackson, une version étendue des égouts et de participer à une chasse au sanglier. Parsemée de commentaires audio des développeurs, cette découverte a ce quelque chose de fascinant dans ce qu’elle nous apprend, autant sur la façon de rythmer un jeu, des choix de level design ou même de narration. En un mot : passionnant.

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Toutefois, pour beaucoup, la plus grosse cerise sur ce gâteau déjà savoureux sera le mode No Return, autrement dit un roguelite dans lequel il sera possible d’incarner plusieurs personnages en enchaînant une succession de niveaux générés aléatoirement. Ainsi, après God of War Ragnarok et son extension Valhalla, c’est au tour de TloU de s’y mettre. Très complet, ce mode s’articule autour de 4 chapitres + un affrontement contre un boss se déroulant dans des environnements fermés issus de l’histoire principale dans lesquels divers adversaires (humains et créatures) viendront vous titiller. Ici, pas de secret, soit vous privilégierez l’approche furtive soit il vous faudra viser juste et enchainer les kills afin d’obtenir un meilleur score et donc davantage de matériaux afin d’améliorer vos compétences ou acheter de nouvelles armes entre deux sessions. De plus, en fonction de certains pré-requis, vous débloquerez 10 personnages (Jesse, Tommy, Yara, Manny….) et une multitude de skins pour la plupart d’entre eux. Pensé autour de trois types d’affrontements (Attaque, Proie et Boss), No Return s’avère plutôt intéressant et généreux même si il ne déroge pas à la sacro-sainte règle du Die and Retry amenant une frustration auréolée d’un fort sentiment de redondance d’autant qu’à l’inverse de l’extension Valhalla de GoW, No Return ne profite d’aucun aspect scénaristique puisque nullement intégré à l’histoire de base.

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Associer Mario, Les Lapins Crétins et le X-Com like sonne comme une blague un peu étrange tant ces éléments ne semblent rien avoir en commun. Pourtant, force est de constater que pour un galop d’essai, Ubisoft a trouvé la formule magique afin de créer un tout cohérent, imparfait, mais diablement prenant.

Malgré certains traits d’humour réussis ou quelques passages forts bien mis en scène (la délicieuse apparition musicale de Phantom, boss sous forme de Lapin baryton), éludons sciemment le scénario prétexte (synonyme de royaume à sauver d’une menace répondant au nom de Bowser) pour nous pencher directement sur le contenu du titre. Découpé en 4 mondes joliment génériques (fleuri, sablonneux, glacial et industriel), Kingdom Battle va nous demander de les visiter les uns à la suite des autres pour faire avancer le scénario (logique) mais aussi et surtout pour récupérer certains personnages de notre équipe qu’on pourrait scinder en deux : les versions normales et celles «Lapins Crétinisées». L’un dans l’autre, ça peut paraître anodin mais le gameplay s’articule pourtant autour de cette complémentarité entre les différents persos afin de composer des équipes capables d’affronter n’importe quelle situation. Cependant, avant de tous les obtenir, vous devrez arpenter de vastes niveaux truffés d’énigmes plutôt sympathiques bien que subissant un léger manque de précision lorsque notre groupe doit pousser des blocs. On notera également certains passages inutilement longs avec moult interrupteurs à actionner pour créer le chemin nous menant vers la prochaine bataille.

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Quoiqu’il en soit, vous aurez ainsi à votre disposition les 8 personnages suivants : Mario, Luigi, Peach, Yoshi et leurs équivalents en Lapins Crétins. Outre une arme principale et secondaire spécifiques, chacun d’entre eux auront également des caractéristiques (PV, déplacement, dash, jump…) propres mais aussi et surtout un arbre de compétences qu’il faudra débloquer en récupérant des orbes de puissance disséminés un peu partout ou en obtenant le meilleur rang possible à l’issue de chaque bataille. Si dans l’absolu, il sera possible de garder la même team du début à la fin, dans les faits, vous devrez souvent en changer pour ne pas bloquer d’autant qu’au fur et à mesure de notre avancée, le challenge se corsera bien que tournant toujours autour de trois types de défis : escorte, atteinte de zones précises ou élimination de l’ensemble des cibles. Le score obtenu à la fin de chaque combat (de Bon à Parfait) dépendra alors du nombre d’unités en vie mais aussi du nombre de tours nécessaires pour boucler le challenge.

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Bien entendu, en fonction des mondes, vos ennemis évolueront également. On passera alors d’adversaires assez faiblards et peu dangereux à des fantômes ayant la capacité de se téléporter sur de longues distances, des mastodontes, lents et puissants, des adversaires en armure et bien d’autres encore. De plus, les inévitables boss seront de la partie et demanderont un peu plus de concentration de votre part.

Si on excepte son univers mélangeant deux franchises n’ayant de prime abord rien en commun, ce premier Mario et Les lapins Crétins s’avère assez classique dans sa proposition puisque basé sur du tour par tour. Pourtant, il est grisant d’enchaîner les affrontements en testant des combinaisons de personnages pour venir à bout de défis semblant parfois impossibles, surtout lorsqu’on se lance dans le 100% et ses challenges Hyper Difficile et Ultime. De fait, à mesure qu’on progresse, on se prendra d’affection pour tel ou tel trio en privilégiant une approche subtile tenant compte des capacités de chacun : Possibilité de faire venir plusieurs adversaires vers soi pour les frapper en une seule fois, double tacle, génération d’un bouclier… les possibilités s’avèrent nombreuses.

Certes, certaines combinaisons s’avèrent tellement puissantes (Triple Tir de Luigi + Puissance accrue de Mario + Healing de Rabbid Peach) qu’on aura tendance à utiliser de plus en plus le même groupe en fonction de son style de jeu mais Ubi a prévu le coup et a également intégré une notion de déplacement très importante. Ainsi, certains personnages pourront couvrir plus de distance (en sautant, en sortant d’un tuyau) et ainsi se placer pour aider les autres membres à mieux se positionner à leur tour sur la surface de combat via un saut assisté. Ceci n’a l’air de rien mais compte tenu du fait qu’un tir en hauteur pourra engendrer (ici aussi en fonction des personnages) beaucoup plus de dégâts, vous comprendrez que votre positionnement sur la surface de combat sera une donnée à ne pas négliger. Cependant, on pourra trouver étrange que les développeurs n’aient pas davantage développé cet aspect en optant pour des dégâts accrus en fonction de notre position (devant, derrière, sur les côtés) par rapport à l’ennemi.

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Le reste de la stratégie consistera à user au mieux des armes des combattants (lance-roquettes, gatling, bombes sur roulettes…) associées à une spécificité (Rebond, Miel, Ténèbres) pour maximiser les dégâts, ralentir ou aveugler ses adversaires voire créer des combos en se reposant sur les capacités décrites plus avant.

Mentionnons également le DLC centré autour de Donkey Kong qui vient compléter le contenu déjà très riche de l’aventure principale. S’il ne rabat pas les cartes, il intègre deux personnages supplémentaires (DK donc mais aussi Rabbid Cranky Kong) disposant chacun de capacités spécifiques (DK peut lancer un perso ou un objet présent sur la surface de combat, Cranky peut endormir les ennemis, etc) et nous oblige à jouer avec un groupe uniquement composé des deux persos précités ainsi que Rabbid Peach. Rien de très original en soi mais le nouvel environnement (un archipel d’îles où il faudra retrouver des pièces de la machine à laver pour retourner au Royaume de Peach), le bestiaire en partie renouvelé (avec entre autres les très ennuyants Collectionneurs ayant la désagréable habitude de tout le temps nous fuir) et certaines mécaniques supplémentaires suffisent à nous retenir pour quelques combats de plus.

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Au final, Kingdom Battle réussit l’exploit de conjuguer un gameplay très accessible à un ensemble de possibilités rendant les combats de plus en plus tactiques et intéressants. Rarement frustrant (sorti de quelques check points mal placés) et réclamant une bonne connaissance des adversaires pour anticiper leurs réactions, le titre se montre passionnant à mesure qu’on enchaîne les parties. On retiendra toutefois quelques travers de certains jeux Ubisoft avec une exploration principalement basée sur des Collectibles à récupérer (illustrations, modèles 3D, musiques) ou un surplus d’armes à disposition (plus de 25 par personnages dont les ¾ inintéressantes et/ou trop similaires entre elles hormis un skin différent) mais rien qui ne vienne minimiser l’aspect tactique du jeu, et c’est bien là le principal.

Prêts à retourner dans l’univers très Bis de Dead Island 2 ? Ca tombe bien puisque les développeurs ont d’ores et déjà préparé deux DLC dont le premier, Haus, est désormais disponible. Encore plus déjanté que le jeu original, ce premier contenu, jouable en Solo ou jusqu’à 4, se veut aussi court qu’intense en nous transportant dans un étrange univers gouverné par un triumvirat sans têtes.

Bien qu’ayant à cœur de développer une histoire, Dead Island 2 reste avant tout un jeu complètement barré prenant le meilleur des titres originaux tout en s’amusant avec les codes régissant Hollywood pour mieux s’en moquer à travers ses personnages et la plupart de ses quêtes. Violente, gore, résolument fun, cette suite s’inscrit totalement dans la lignée des précédents volets et c’est tout naturellement que Haus poursuit dans cette voie. Difficile de s’attarder sur le scénario de ce contenu tant le tout s’engouffre avec délectation dans les entrailles du film d’horreur de série B avec ce que ça implique de corps sans tête, de gourou sado-maso, de ribambelle de morts-vivants et d’immense machine à détruire pour éviter la fin du monde.

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Non, le principal intérêt de Haus se situe plutôt, non pas dans son gameplay qui n’évolue pas d’un iota (hormis une possibilité de recharger en un clin d’oeil la Rage Sanguinaire à certains endroits), mais dans sa nouvelle zone, autrement dit une immense propriété en bord de mer qu’il sera possible d’atteindre depuis la demeure d’Emma. Rien de bien nouveau me direz-vous sauf que dans le cas qui nous intéresse, ladite propriété, elle-même divisée en trois grandes zones, profite d’une très belle direction artistique synonyme de lieux disparates. Vous devrez alors naviguer entre une sorte de banlieue américaine très propre sur elle (tellement propre qu’en marchant sur la pelouse, vous ferez apparaître automatiquement des zombies), une forêt lugubre débouchant sur un Diner des années 50 puis une base «rétro-futuriste» qu’on croirait issue d’un des premiers James Bond. Bien entendu, la visite des lieux sera ponctuée d’incessants affrontements contre des macchabées pour laisser libre cours à vos envies de démembrements et autres explosions de tripailles.

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A ce sujet, notons l’apparition de l’arbalète, nouvelle arme indispensable pour détruire des cerveaux bloquant certains accès mais peu pratique dans les faits à cause d’un viseur trop imposant entravant quelque peu la lisibilité et un rechargement très lent. On lui préférera une bonne vieille épée légendaire ou un hachoir customisé pour faire place nette bien que l’arbalète puisse éliminer le zombie lambda en une flèche dans la caboche. Pas de nouveau adversaire à se mettre sous la dent si ce n’est des versions skinées d’anciens morts-vivants et si la durée de vie reste un critère d’achat pour vous, sachez qu’il vous faudra entre 2 et 3h pour boucler ce DLC. Relativement court oui mais diablement intense à l’image du jeu de base.

Insomniac Games commence à bien connaître Spider-Man puisqu’en comptant Miles Morales, nous en sommes déjà à trois épisodes. Trois opus qui, certes, se ressemblent mais qui témoignent malgré tout d’une évolution significative de la saga autant dans la mise en scène que dans la volonté de s’intéresser à ses personnages. Spider-Man 2 ne déroge pas à la règle en se montrant une fois encore très juste dans les rapports entre ses divers protagonistes et le plaisir de jeu qu’il procure.

Tout comme avec Miles Morales, certains ne verront rien d’autre en Spider-Man 2 qu’une version 1.5 de l’original sorti en 2018. L’un dans l’autre, difficile de leur en vouloir voire même de leur donner complétement tort. Pourtant, lorsqu’on s’investit dans le titre, il en ressort une maîtrise totale de la mise en scène, du rythme et d’un gameplay entièrement dévolu au plaisir de la découverte. C’est un fait, si arpenter la Big Apple a des airs de déjà-vu (malgré l’ajout des quartiers de Brooklyn et du Queens), difficile de refréner un sourire tant tous les éléments s’imbriquent parfaitement les uns dans les autres, tant l’homogénéité de l’ensemble se veut synonyme d’émerveillement continu. Oui, Spider-Man 2 ne cherche jamais à réinventer la roue mais il serait hypocrite de minimiser ses nombreuses qualités et son envie d’améliorer la formule.

Ceci passe tout d’abord par un amour pour son personnage ou plutôt ses personnages, qu’il s’agisse de Peter, Miles, Mary Jane ou bien encore New-York, à la fois lieu de l’action et protagoniste à part entière de l’histoire qui ne sera pas tendre avec elle tant les scènes de destruction seront nombreuses et de plus en plus impressionnantes au fil du récit. D’ailleurs, dans la grande tradition du studio, le jeu débute par une introduction dynamique devant autant à son aspect hollywoodien qu’à la façon de nous prendre par la main en y injectant au fur et à mesure d’une course poursuite avec L’Homme Sable les bases du gameplay à venir. Parfaitement calibrée, cette séquence est annonciatrice de tout ce qui va suivre : un point de vue hollywoodien, un rythme millimétré et un aspect seamless entre cinématiques et gameplay synonyme de fluidité continue.

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Spider-Man 2 est un blockbuster et si il renvoie à tout ce qui englobe ce terme (en bien comme en mal), il a également pour lui de poursuivre de façon logique l’histoire débutée en 2018. Ainsi, si le premier jeu s’articulait autour de Peter et son entourage, à travers sa Tante, ses amis et Otto Octavius, son mentor et futur Nemesis, le deuxième jeu intégrait de façon bien plus franche Miles Morales dont le destin tragique trouvera écho à celui de Peter. Logique donc que le titre fasse autant la part belle à l’un et à l’autre, du moins dans son gameplay nous permettant de switcher à la volée d’un personnage à l’autre. Outre les capacités (et très nombreux costumes) propres à chaque héros, c’est aussi à travers leur récit respectif qu’Insomniac entend créer la connexion entre personnages et joueurs tout en insufflant cette empathie indispensable pour un titre misant autant sur sa narration car oui, au-delà de sa dimension de super production, Spider-Man 2 est plus que jamais un jeu PlayStation.

En empruntant la voix tracée par Uncharted 4, The Last of Us et le premier Spider-Man, cette suite se veut aussi désireuse que son aînée d’insuffler de l’émotion en parallèle d’impressionnantes scènes d’action et d’excellents combats de boss. Pour ce faire, les scénaristes ont jeté leur dévolu sur Harry Osborn, ami d’enfance de Peter, qu’on voyait en fâcheuse condition physique à la fin de l’opus de 2018. L’idée a du sens mais il faut avouer que le tout s’avère moins réussi que l’histoire de Tante May, peut-être à cause de cette volonté d’imbriquer toutes les intrigues dans un tout se voulant homogène. Malheureusement, entre la maladie d’Harry, l’apparition de Kraven et le désir de vengeance de Miles désirant en découdre avec Mister Negative, le tout a parfois des allures de patchwork et à mesure qu’on progresse, l’émotion s’étiole malgré plusieurs passages très réussis à l’image de flashbacks revenant sur les débuts professionnels de Pete. Il faut aussi reconnaître à Insomniac cette volonté de proposer des intrigues matures et des personnages plus proches des comics que ne l’ont jamais été ceux du MCU. On retiendra également du scénario un traitement de Venom bien plus intelligent et respectueux que celui des déplorables films également sortis sous la bannière de Sony.

En parallèle de ces trames principales, il convient également de saluer le travail du studio qui est parvenu à proposer certaines quêtes annexes très bien écrites en abordant l’héritage musical des afro américains, en nous faisant incarner Hayley, l’amie sourde et muette de Miles, tout en teasant certaines choses excitantes pour le futur de la série. Si certains pourront sans doute lui reprocher son excès d’inclusivité, l’ensemble des protagonistes reste parfaitement intégré dans le récit, aussi bien à travers l’aspect estudiantin propre à Miles ou l’histoire plus adulte de Peter confronté à la maladie de son ami ou à travers sa relation avec Mary Jane Watson.

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Pour cimenter l’ensemble, les développeurs californiens ont repris les bases de leur gameplay, déjà excellent, tout en l’améliorant afin d’accentuer les déplacements, les affrontements et l’infiltration. Si le dernier point évoqué reste encore trop anecdotique (surtout avec la possibilité de tisser des filins où bon nous semble pour se défaire des ennemis en silence), on retiendra des séquences de stealth avec Mary Jane plus intéressantes que celles de Spidey. Paradoxal mais témoignant du soin abordé à cet aspect qui n’était pas folichon dans le premier volet. En permettant cette fois à la belle de taser ses ennemis, en plus de détourner leur attention ou de les entoiler (si si), on prendra étonnamment du plaisir lors de ces passages.

La jouabilité, elle, se veut aussi intuitive que par le passé, autant lorsqu’il s’agit de survoler les grattes ciels de New-York que lorsqu’on doit combattre les Chasseurs de Kraven, gangs new-yorkais et autres ennemis robotisés. S’articulant autour de délits, challenges et autres missions, Spider-Man 2 déploie à nouveau des trésors de gameplay afin de maximiser l’expérience de jeu. OK, on retrouve la plupart des missions des précédents volets (poursuites de véhicules, affrontements en pagaille -parfois inutilement longs-) mais Insomniac a toutefois tenté d’apporter plusieurs nouveautés afin d’éviter que le tout ne s’enferme trop vite dans une action redondante, bien que jouissive. Outre des puzzles trop simplistes pour être vraiment intéressants, on retiendra les challenges en wingsuit mettant en avant cet élément de gameplay rendant encore plus virevoltants les déplacements en ville. Les challenges de Mysterio, bien qu’également centrés sur l’action, permettent de leur côté d’obtenir des jetons (indispensables pour débloquer des compétences ou booster nos gadgets) tout en profitant de très belles idées visuelles à l’image de celle du dernier défi aussi impressionnante qu’onirique.

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Se reposant toujours sur la complémentarité des styles de Pete et Miles, le titre maximise cette idée en nous allouant à intervalles réguliers (lors de défis et/ou l’histoire principale) un compagnon synonyme de combos intervenants aléatoirement. Une façon de donner un coup de fouet aux affrontements toujours aussi énergiques grâce à un système de combat riche (easy to learn, hard to master) et une mise en scène bluffante. Ne nous y trompons pas, si Spider-Man 2 fonctionne aussi bien, c’est aussi et surtout grâce à la capacité du studio à mixer tous les éléments composant un jeu vidéo et ce de façon parfaitement huilée pour en sortir le meilleur. Maîtrisant à la perfection la montée en puissance de son histoire, de l’évolution de ses héros et de son terrain de jeu, le titre d’Insomniac sacralise ses protagonistes en prenant le meilleur du 7^ème et 10^ème art. Le résultat, non sans défauts (grosse impression de déjà-vu, histoire moins émouvante que celle de l’opus de 2018, certains ennemis sont de vrais sacs à PV) témoigne avant toute chose d’une véritable passion pour le Tisseur et de la volonté d’offrir aux joueurs un jeu bien calibré (trop diront certains), hollywoodien, et étonnamment mature dans sa narration.