Auteur/autrice : Yannick Le Fur

Sommes-nous maîtres de notre destinée ? Pouvons-nous la modifier et réécrire l’histoire ? Atreus devra trouver des réponses à ces questions afin d’aller de l’avant pour suivre sa propre voie. Mais Kratos a-t-il seulement le pouvoir d’épauler son enfant pour le guider, enchaîné à son passé de tueur de dieux ? Toutes ces interrogations trouveront des réponses dans God of War Ragnarök, suite du blockbuster de Sony Santa Monica sorti en 2018.

Commençons par ce qui me semble évident. Il y a peu de chances que God of War Ragnarök vous surprenne, du moins dans sa structure, calquée sur celle de son illustre aîné. Pourtant, il convient ici de nuancer le propos. En effet, si dans ce qu’elle propose, cette suite singe à tous les niveaux le précédent volet (plan séquence intégral, énorme contenu annexe, système de combat, loot, craft…), elle en améliore chaque aspect afin de proposer une suite toute aussi magistrale mais surtout encore mieux écrite. Ce n’est donc pas tant dans sa structure que le jeu impressionnera mais bel et bien dans son scénario et le développement de l’ensemble de ses personnages ayant chacun le droit à leur histoire, parfois teintée d’humour, parfois épique, parfois déchirante.

Guerre et paix

Alors que l’opus de 2018 parlait de deuil, celui-ci évoque la destinée, celle d’Atreus bien entendu mais aussi celle de son père et des protagonistes gravitant autour de lui à commencer par Freya, magnifique personnage gagnant énormément en profondeur dans Ragnarök. Malgré son passif avec Kratos, la déesse deviendra malgré tout une alliée de poids dans la quête du spartiate visant cette fois à déclencher le Ragnarök et ainsi évincer le Père de tout, Odin. La tâche sera ardue mais au fur et à mesure de l’avancée de l’histoire, les alliances se créeront, les trahisons également, ceci amenant plusieurs retournements de situation ou des passages intimistes d’une profondeur émotionnelle qu’on attendait pas nécessairement de la part de la licence et ce malgré l’orientation prise par l’opus de 2018.

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Là où Ragnarök fait la différence, est qu’il ne délaisse jamais en chemin l’un de ses personnages. Ainsi, si on a bien le droit dans la dernière ligne droite à quelques passages forcés (et peu utiles), la finesse d’écriture offre aux protagonistes déjà rencontrés (à commencer par Brok et Sindri) un développement inattendu et bienvenu. On notera d’ailleurs que quel que soit le personnage dont on parle, chacun se voit affublé d’un binôme afin d’approfondir son passé mais aussi son futur à travers des choix, le plus souvent cornéliens. Kratos/Atreus, Freya/Freyr, Brok/Sindri, chaque duo participe à l’équilibre narratif.

De plus, si il eut été facile de ne présenter les Asgardiens que comme les ennemis à abattre, les scénaristes leur ont insufflé des personnalités très marquées tout en créant des dissidences au sein même du camp d’Odin. Dès lors, chaque rencontre avec le cynique Heimdall (toujours prompte à railler nos héros) ou Odin, prônant officiellement la paix entre les royaumes, s’avère délectable à mesure que les pièces se déplacent sur l’échiquier de la bataille à venir. Thor (dont la présence avait été teasée à la fin du précédent jeu) se montrera également beaucoup plus intéressant que ce que peut présager son apparence de dieu bedonnant et soûlard. Tiraillé entre son devoir vis-à-vis d’Odin, désireux de prodiguer les bons conseils à sa fille Thrud (future valkyrie) et répondant toujours présent lorsqu’il s’agit d’aller au combat, le dieu Asgardien dévoile une histoire et une personnalité bien plus complexe qu’on pouvait l’espérer.

Tout ceci concourt à faire du scénario de Ragnarök un subtile mélange entre l’épique et quelque chose de plus posé en n’oubliant jamais la nature adolescente d’Atreus qui connaîtra ici ses premiers émois amoureux ou bien encore le passé de Kratos à travers sa défunte fille Calliope ou les liens l’unissant à sa femme qui fera de lui le père qu’il est aujourd’hui.

Voyage au bout de la nuit

Avec une telle matière narrative, la réalisation se devait d’être à la hauteur. Reprenant le concept du plan séquence, Ragnarök profite de l’expérience acquise en 2018 pour améliorer sa mise en scène, toute aussi impressionnante et parfois chargée de poésie, notamment lors d’une course-poursuite semblant issue d’une film des studios Ghibli. Plus fluides et inventives, les transitions invisibles se montrent également plus maîtrisées, lorsqu’il s’agit notamment de passer lors de flash-back d’un environnement à l’autre.

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Profitant du talent d’artistes n’ayant plus rien à prouver, cette suite compense son impression de «déjà vu», nous faisant visiter certains des mêmes royaumes qu’en 2018, par de splendides trouvailles visuelles magnifiant anciens et nouveaux décors. Ainsi, si les biomes sont toujours aussi complémentaires et qu’il est agréable de revisiter à traîneau un Lac des Neufs entièrement gelé, Sony Santa Monica s’est à nouveau accaparé la mythologie nordique pour les besoins de son blockbuster. Modifiant quelques détails, réécrivant certaines légendes pour les besoins de son scénario, le studio s’est également fortement éloigné de la vision de Marvel toujours prompte à verser dans l’ostentatoire lorsqu’il s’agit de représenter les domaines des dieux. On appréciera d’ailleurs les sages paroles d’Heimdall en arrivant la première fois devant la demeure d’Odin, modeste en apparence, lorsque celui-ci nous rappelle que le vrai pouvoir n’a pas besoin d’être étalé à la vue de tous.

A l’opposé de cette modestie architecturale, le jeu est constellé de plans somptueux, de magnifiques panoramas ou de visions directement issus de la fantasy dans sa représentation la plus imaginative à l’image des loups Skôll et Hati zébrant le ciel pour chasser le jour au profit de la nuit. Notons qu’ici, l’idée n’a pas seule vocation à nous éblouir la rétine puisqu’elle est directement intégrée dans le gameplay du jeu afin de visiter plusieurs lieux à deux moments différents de la journée.

A ce sujet, si Ragnarök réutilise également une partie du bestiaire de son aîné, plusieurs nouvelles créatures viennent gonfler les rangs ennemis afin de proposer une aventure au challenge relevé que je vous conseillerai de parcourir en Normal pour un plaisir de jeu optimal. Sans tout vous révéler, cette suite vous mettra toujours aux prises avec plusieurs variantes de guerriers au service d’Odin (les Einherjar), les indéfectibles trolls et diverses créatures mythiques. Concernant la présence des boss (peu nombreux dans le précédent opus), Ragnarök se montre plus complet, bien que ceux profitant d’une mise en scène se comptent sur les doigts d’une main. Néanmoins, l’aventure est à nouveau émaillée d’innombrables combats (optionnels ou non) valant autant pour la résistance des adversaires que par l’analyse de leurs patterns afin de pleinement exploiter le gameplay de cet épisode afin de s’en sortir sans trop de heurts.

La rage de vaincre

Comme je le disais plus haut, Ragnarök propose un challenge relevé poussant rapidement le joueur à explorer afin de débloquer matériaux et autres objets pour augmenter le niveau de ses armes ou ses jauges de santé et de Rage. Si l’exploration n’est pas un problème en soit d’autant qu’elle ouvre la voie à de nouveaux environnements et adversaires, la gestion de notre inventaire, et plus globalement de notre équipement, est malheureusement toujours aussi perfectible. Un écueil de 2018 qui n’a pas vraiment été amélioré quatre ans plus tard. L’inventaire, justement, s’avère très brouillon et il est parfois difficile de s’y retrouver, d’autant que chaque pièce d’équipement dispose de plusieurs caractéristiques et d’une description rendant le tout encore plus fouillis. En plus de la gestion de notre armure et de nos armes, il conviendra également de choisir jusqu’à neuf amulettes (conférant divers atouts) ainsi que nos compétences, ces dernières pouvant offrir des bonus élémentaires une fois atteint un certain degré d’utilisation. Bref, le tout aurait mérité d’être plus clair d’autant qu’une fois encore, il est impossible de savoir où aller trouver certains matériaux indispensables pour crafter et/ou améliorer la puissance de certains équipements.

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Ragnarök proposant cette fois d’incarner Atreus, il vous faudra par ailleurs gérer l’équipement de l’adolescent, ceci se résumant ici aussi à son arc, ses invocations runiques et ses compétences. Le feeling, manette en mains, étant particulièrement bon, on appréciera grandement ce switch tout au long de l’aventure d’autant que le garçon sera accompagné de divers compagnons, de Sindri à Brok en passant par Thrud pendant que Kratos profitera par moments de l’aide salvatrice de Freya. Excusez du peu ! Toujours aussi nerveux, les combats de cet opus se succèdent sans jamais lasser. Alternant affrontements contre des hordes d’Heléens, Midgardiens et autres monstres, l’aventure se montre rythmée au possible d’autant qu’en plus des armes du précédent volet, on en obtiendra une nouvelle (la lance de Draupnir), permettant de fondre sur son adversaire, de lancer une pluie de lances explosives ou d’attaquer à bonne distance. Un régal.

Concernant le système de combat en lui-même, on retrouve les flèches de couleurs changeant en fonction de la position de l’ennemi (rouge/proche, jaune/mi distance…) qui, couplées aux indications de votre compagnon, pallient très bien l’absence de plan large lors des affrontements. On notera les limites du système dans des endroits plus cloisonnés mais entre les esquives et les parades, on parvient rapidement à se sortir de toutes les situations. Notons que pour accentuer le dynamisme des joutes, outre les finish moves ou la possibilité de lancer des blocs de pierre, les développeurs ont ajouté un nouveau type de parade symbolisé par un halo bleu autour des ennemis synonyme d’attaque dévastatrice. Il faudra alors rapidement appuyer deux fois sur L1 pour que Kratos se précipite sur son ennemi afin d’interrompre l’attaque et ainsi prendre l’ascendant pour enchaîner juste derrière. En somme, sans révolutionner le système de combat, Ragnarök a parfaitement su l’affiner via quelques ajustements et de multiples possibilités inédites.

Il y a encore tant à faire

Si j’évoquais plus avant l’exploration, il convient de revenir sur ce point particulièrement important, qu’il s’intègre au grès de l’aventure principale ou en tant que contenu post game. Tout comme l’épisode de 2018, Ragnarök offre énormément de quêtes et autres tâches annexes. Alors que la plupart d’entre elles vous permettront d’obtenir argent, matériaux et équipements, c’est surtout la joie de découvrir de nouvelles zones, vastes pour la plupart, qui prévaudra, d’autant qu’on y rencontrera de nouveaux adversaires dont certains particulièrement coriaces. Vous aviez tremblé devant les Valkyries ? Préparez-vous à faire de même devant les terrifiants Berserkers ! Vous pensiez que les dragons étaient de l’histoire ancienne ? Vous feriez bien de revoir votre jugement. En marge de ces défis de taille, vous aurez également l’occasion d’aider Ratatoskr (espiègle écureuil gardant Yggdrasil et aux émotions matérialisées sous forme de petits rongeurs spectraux) ainsi que les autres protagonistes que vous croiserez. Des invitations qui ne se refusent pas. Si on voulait pinailler, citons tout de même quelques défis, s’axant autour des flèches sigillaires pour allumer des flambeaux (grâce à un effet de réaction en chaîne), pas toujours très heureux à cause de problèmes de visibilité.

En route vers Le Valhalla

En décembre 2023, à la surprise générale, Sony Santa Monica fait un bien beau cadeau à la communauté en annonçant lors des Game Awards l’arrivée dans les jours à venir d’un contenu gratuit du nom de Valhalla, qui se déroule après les événements de Ragnarök. Sorte de dénouement bâti sur les bases du Rogue-Lite, Valhalla n’aurait pu être qu’un agréable jeu d’action demandant aux joueurs d’enchaîner les parties en augmentant leurs statistiques, en débloquant de nouveaux sets d’armes et d’armures au fur et à mesure de la progression et ce, jusqu’à battre Tyr, le «boss final» de ce contenu. Pourtant, derrière la façade du Die and Retry (ici parfaitement intégrée au récit à l’image d’Hades), se cache un trésor bien plus précieux renvoyant de nombreuses années en arrière, plus précisément en 2005.

Si Valhalla se montre très complet dans le contenu qu’il propose en évitant d’être rébarbatif grâce à la quantité d’équipements à récupérer, dont l’épée de l’Olympe (God of War II) toujours aussi puissante, il renouvelle également son bestiaire et profite d’une narration particulièrement émouvante et profonde. Tournant autour des tourments de Kratos à l’époque où il officiait en temps que spartiate dans la Grèce antique, le DLC choisit de revenir sur son passé à travers de multiples souvenirs. Passant principalement par des dialogues (avec Mimir et Hélios), ce contenu troque ses effets de mise en scène par la sincérité de ce qu’il raconte, par l’émotion que dégage chaque souvenir, autant lorsque Kratos se remémore le meurtre gratuit de ce capitaine de bateau (God of War) ou le moment où il a dû abandonner sa fille Calliope (God of War : Chains Of Olympus) pour la seconde fois.

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Étonnamment généreux (la durée de vie avoisine les 8-9h pour tout voir), proposant des combats renvoyant avec délice aux premiers épisodes de la saga, l’aventure oscille entre visions du passé, panoramas empreints de nostalgie et affrontements contre Minotaures, Sirènes, Centaures, Cyclopes et autres Harpies. Lettre d’amour à la saga, à son héros et à la communauté, Valhalla est un très bel épilogue, inattendu dans la direction empruntée mais plus que jamais sincère dans ce que la série construit depuis 2018.

Généreux jusqu’au boutisme, God of War Ragnarök est bien plus qu’une simple suite se reposant uniquement sur ses acquis. Alternant la fureur d’un combat à la pudeur d’un échange entre un père et son fils, évoquant un douloureux passé tout en regardant vers l’avenir, profitant d’un héritage tout en cherchant à exister par lui même, le jeu de Sony Santa Monica réussit aussi bien sur le tableau de l’action que de l’émotion. Une prouesse qu’il convient de saluer puisqu’en deux jeux, le studio californien aura parfaitement su faire évoluer sa licence en même temps que ses héros. Un véritable tour de passe passe, des instants magiques et au bout du chemin, une magnifique histoire de famille, de dieux et de destinées croisées.

Avec son histoire intimiste, ses personnages attachants et sa période de l’histoire peu usitée dans le jeu vidéo, A Plague Tale : Innocence avait réussi à marquer les esprits en 2019. Trois ans plus tard, le studio français Asobo retourne dans la France moyenâgeuse afin de conclure la destinée tragique d’Amicia et de son jeune frère Hugo.

Bigger and better, tel semble avoir été le leitmotiv d’Asobo durant le développement de Requiem qui s’avère riche, très riche, trop riche sans doute. Si Innocence se complaisait dans une construction longitudinale afin de mieux maîtriser son récit, son rythme et son gameplay sans cesse enrichi au fil de l’aventure, Requiem s’ouvre un peu plus, dans tous le sens du terme, en intégrant de vastes parties de cache-cache avec des nuées de soldats. On peut ainsi se demander si les développeurs ne se sont pas perdus en chemin en affichant des ambitions trop grandes qui ont quelque peu desservi leur propre titre profitant néanmoins de personnages toujours aussi attachants.

Hugo délire

Justement, au-delà de son gameplay, ce sont une fois encore les protagonistes de A Plague Tale, avec leurs forces et surtout leurs faiblesses, qui constituent le noyau dur de l’aventure. Après avoir fui l’Inquisition dans le précédent volet, Amicia et son jeune frère Hugo ne cherchent qu’à profiter un tant soit peu de l’accalmie qui leur est offert en acceptant bon grès mal gré le pouvoir d’Hugo ou plutôt sa malédiction lui permettant de contrôler des hordes de rats mais altérant petit à petit sa santé. Après que le magister Vaudin ait annoncé à Amicia que la Macula ronge son frère de l’intérieur, celle-ci entreprend alors un nouveau voyage pour sauver son frère en suivant les rêves prémonitoires de ce dernier.

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Si Innocence s’articulait autour d’une fuite en avant, nous passons ici à un périple mû par la nécessité de sauver un proche et donc de braver les dangers et la distance, aussi grande soit-elle. De ce postulat de départ, naît une aventure plus ouverte, plus ambitieuse, plus exotique aussi bien que débutant sous le soleil de Provence. Sublimée par les artistes d’Asobo, la région de France, qui n’a jamais été aussi belle, se pare de ses plus beaux atours synonymes de calanques escarpées, champs balayés par les vents et villages animés. Sur ce point, difficile d’émettre la moindre critique tant la découverte du titre est un plaisir de chaque instant. Mais alors que le début du jeu se montre plus clément avec ses deux personnages principaux, une nouvelle menace de tardera pas à les rattraper, d’autant que le pouvoir d’Hugo va se montrer plus destructeur que jamais. Alors qu’Innocence nous présentait un garçon découvrant ses capacités, Requiem embrasse cet élément fantastique en faisant de l’enfant le centre de bien des convoitises.

Le contraste entre l’émerveillement constant d’Hugo et le poids pesant sur ses épaules confère à cette suite un charme particulier qui doit également beaucoup à la relation entre le gamin et sa sœur mais aussi au sympathique trio qu’ils forment avec le débrouillard Lucas ou bien encore les nouveaux compagnons de voyage qu’Amicia trouvera sur sa route. Une très bonne idée accentuant encore un peu plus l’aspect aventureux de ce volet et lui offrant un surplus d’énergie d’autant que la personnalité exaltée d’Arnaud complète parfaitement celle plus mesurée de Sophia, capitaine d’un navire qui permettra à tout ce petit groupe de voguer vers de nouveaux horizons. Si Innocence se résumait à La Guyenne et ses environs, le deuxième acte de Requiem nous emporte dans un endroit bien plus lumineux mais comprenant tout autant de dangers. Si je me garderai bien de trop vous en révéler, il est intéressant de noter que cette partie pourra surprendre, autant dans ses zones plus ouvertes mais aussi ses influences cinématographiques évidentes ne débouchant (malheureusement) pas toujours sur une noirceur qui aurait parfaitement siée à cet épisode. Sans remettre en question toute l’histoire, il y avait sans doute mieux à faire dans la seconde moitié du jeu, plus occupé à étirer ses séquences d’infiltration qu’à peaufiner la destinée d’Amicia et Hugo au point de louper le coche lors de certains passages pourtant censés être importants émotionnellement. En somme, si on retiendra tout de même un climax, surprenant et émouvant à plus d’un titre, l’histoire de A Plague Tale : Requiem aurait sans doute méritée une qualité d’écriture aussi affinée pour l’ensemble de ses personnages afin d’être plus prégnante à des moments clés.

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Grandeur et décadence

Comme je le disais en préambule, les développeurs ont vu très grand, en multipliant tout par deux. L’aventure plus étriquée du premier volet cède ici sa place à un périple se nourrissant de décors variés, grandioses et d’un gameplay affiné bien que reprenant les bases de celui du premier opus. Certes, le sentiment de déjà-vu est omniprésent mais l’ensemble suffisamment maîtrisé pour que l’envie d’explorer ne faiblisse pas, du moins, jusqu’à un certain point. En voulant proposer une suite on ne peut plus généreuse, Asobo est allé piocher ses influences du côté de chez Naughty Dog, aussi bien pour ce qui est de sa construction que certains gimmicks de gameplay. Si la volonté de bien faire se ressent à chaque minute de jeu, il est aussi évident que les Français n’ont pas eu le même budget ni même le temps pour affiner la construction afin de toujours trouver le point d’équilibre entre narration et gameplay.

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Cet état de faits se voit particulièrement bien en prenant de la hauteur sur l’ensemble du jeu, avec une introduction profitant de l’effet de découverte, un deuxième acte synonyme de ventre mou et une dernière ligne droite bien plus dynamique et inspirée, d’ailleurs beaucoup plus proche de ce que proposait Innocence. C’est sans doute là le principal problème de Requiem qui ne parvient pas toujours, à l’inverse de son aîné, à retenir pleinement l’attention durant ses phases de gameplay, la faute à des séquences d’action trop classiques et des passages d’infiltration ne parvenant que rarement à se réinventer. Dommage d’autant que Requiem dispose d’un gameplay amélioré qui permet cette fois de crafter davantage de types de munitions afin qu’Amicia éteigne des feux, attire des rats à un endroit précis, enflamme des ennemis, crée de petites explosions, etc. Si Hugo n’est pas en reste (puisque pouvant littéralement prendre le contrôle de gigantesques masses de rongeurs), on note une construction étrange faisant état d’une évolution de gameplay ne parvenant pas à suivre l’étirement de l’aventure réclamant cette fois plus d’une vingtaine d’heures pour en voir le bout. Ainsi, si on passera notre temps dans des zones plus ouvertes truffées de soldats, de fourrés où s’y cacher et de rats n’attendant qu’une occasion de boulotter nos ennemis, on changera rarement la méthode pour les passer même si l’arrivée de Sophia et Arnaud dans l’équipe apportera un soupçon de renouveau. Si le tout fonctionnait parfaitement dans Innocence, l’intérêt s’étiole à mesure qu’on avance dans Requiem d’autant que ces longues séquences semblent parfois prendre le pas sur l’histoire.

D’ailleurs, à l’inverse d’un The Last of Us qui parvenait en partie (surtout dans Part I) à insuffler suffisamment d’aérations à son récit à travers des moments plus contemplatifs, Requiem enchaîne très souvent plusieurs phases d’infiltration simplement entrecoupées par de courts moments d’accalmie permettant à Amicia et Hugo de rejoindre le lieu suivant tout en masquant des temps de chargements.

Frustrant car à certains moments, Requiem se montre prompte à intégrer du sang neuf lors de séquences héritées d’Indiana Jones, d’une phase nous demandant d’éviter les attaques d’un aigle, de courses-poursuites haletantes ou de diverses énigmes qui sont malheureusement écourtées par la propension de Lucas à nous aider avant même qu’on ait commencé à chercher la solution. Ici aussi, on aurait apprécié, à la manière de ce que proposent les jeux de Naughty Dog, d’avoir un indice optionnel ou de continuer à chercher la solution du puzzle. De plus, à intervalles réguliers, on devra subir des séquences en zones fermées accueillant des vagues d’ennemis, longues et inintéressantes au possible. On pourra également pester contre cette maniabilité pas toujours optimale puisque nous demandant constamment de passer en pleine action, via une roue des armes, d’un type de munitions à l’autre (sachant qu’elles sont complémentaires) ou d’alterner entre notre arbalète, lance pierre ou bien encore des pots pour étendre la zone d’effet desdites munitions. Si on finit par prendre le coup, il n’en reste pas moins que la jouabilité aurait gagnée à être plus fluide.

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Requiem for a Dream

Malgré ses défauts, la suite d’Innocence parvient la plupart du temps à subjuguer, d’abord dans ses panoramas, bien plus éclectiques que par le passé, somptueux pour la plupart et bénéficiant d’ambiances travaillées alternant entre les magnifiques vues de Provence, des citées dévastées par des hordes de rats, les rêves oniriques d’Hugo ou bien encore des références à Alien ou Midsommar. Les artistes d’Asobo se sont fait plaisir d’autant que le tout reste cohérent malgré la pluralité des influences. Ensuite, dans les superbes compositions d’Olivier Derivière, toujours justes dans leur utilisation et accentuant à merveille les moments de calme comme de stress. Artistiquement, Requiem ne souffre donc que de peu de défauts, si ce n’est quelques animations trop rigides qu’on incombera à un manque de budget et/ou de temps de développement.

Si il est très agréable de retrouver Hugo et Amicia qui forment toujours un duo aussi attendrissant, c’est donc bel et bien dans son envie de proposer à tout prix une aventure plus longue que Requiem se casse un peu les dents, en ne trouvant que rarement le point d’équilibre entre son histoire et ses phases de jeu, hormis dans ces quatre derniers chapitres, épiques et émotionnellement plus intenses. Il n’en reste pas moins qu’Asobo peut être fier du travail accompli qui parvient très souvent à côtoyer la qualité de ses modèles tout en clôturant une histoire qui résonnera longtemps dans nos mémoires.

Faisant directement suite à Resident Evil Village, Shadows of Rose remet le couvert en nous replongeant dans une aventure horrifique ayant un «petit» air de déjà-vu. C’est d’ailleurs le principal (et énorme) défaut de ce DLC aussi prompte à recycler l’ensemble des décors du jeu de base qu’à boucler son aventure en un temps record.

Evoquant dans ses (très) grandes lignes le pitch de The Cell, Shadows of Rose convie Rose, la fille d’Ethan Winters, à plonger dans la «conscience» d’un Megamycète afin d’y trouver un moyen de se débarrasser de ses pouvoirs. Se faisant, elle va rencontrer des visages familiers, et un paquet de créatures inhospitalières, qui constitueront autant de problèmes à affronter ou à contourner. Bien que la première cinématique nous fasse espérer une histoire un peu plus profonde, voire psychologique (avec tous les guillemets du monde), la désillusion intervient très rapidement, ne serait-ce qu’à cause d’un scénario très cliché dès lors qu’il doit aborder les relations entre Ethan et sa fille.

Plutôt que d’écrire une conclusion satisfaisante à l’histoire d’Ethan, Capcom semble avoir opté pour la solution de facilité en piochant dans les bases de la série afin de proposer une progression aussi classique que moyennement stimulante, l’architecture étant peu ou prou la même que celle du jeu original, de façon condensée certes mais nous faisant passer par le château de Lady Dimitrescu, la maison de poupée ou bien encore le village. Si l’effet de surprise n’est donc plus là, nos objectifs accentuent ce ressenti puisque synonymes de quelques énigmes typiques de la saga nous demandant au préalable de récupérer masques et autres clés pour y accéder. Afin de saupoudrer le tout d’une once d’originalité, Rose pourra toutefois user de ses pouvoirs qui, de façon graduelle, lui permettront de détruire des sortes de nœuds organiques afin de débloquer le passage ou obtenir différents items. Sur ce point, il est dommage que l’évolution des capacités de l’adolescente (lui permettant de bloquer des ennemis puis d’attaquer dans le dernier acte) n’ait pas été davantage au centre de l’expérience afin de proposer un gameplay diffèrent qui nous aurait évité de rechercher et/ou crafter des munitions ou des fleurs de sauge (pour remplir notre jauge de pouvoirs) tout au long des 4 heures nécessaires pour boucler la première run.

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En somme, les développeurs ont préféré rester dans leur zone de confort sans jamais vraiment en sortir, exception faite lors du passage de la maison de poupées, encore plus ingénieux, macabre et réussi que dans le jeu de base, en se permettant même l’une des meilleures idées jamais vues dans un survival-horror afin de susciter l’effroi. Frustrant donc que l’ensemble du DLC ne soit pas au niveau de cette excellente séquence et que le tout reparte après coup sur un tracé plat en privilégiant l’action contre des hordes de créatures et l’obligatoire affrontement contre le boogey-man de service, mixe entre le «chainsaw man» de Resident Evil 4 et l’Urias de Resident Evil Village. Tout n’est donc pas à jeter dans Shadows of Rose mais on était en droit d’en attendre un peu plus de cette extension proposant par ailleurs une vue à la troisième personne et deux nouvelles maps pour le mode Mercenaires.

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Aussi dispensable soit-il, ce contenu pourrait être une sorte d’esquisse pour les futurs épisodes canoniques qui mixeraient encore plus action et fantastique en offrant à notre personnage des capacités surhumaines. Un mélange intéressant mais aussi dangereux tant Resident Evil a toujours fait le jeu des personnages humains (toute proportion gardée) confrontés à des abominations de plus en plus démesurées afin de générer un sentiment de panique. Il faudra donc attendre le prochain volet pour savoir si Rose viendra officiellement grossir les rangs de l’équipe de Chris Redfield ou si ce coup d’essai n’était destiné qu’à alimenter (et légitimer) l’Edition Gold de Resident Evil Village.

Deuxième opus de The Dark Pictures Anthology, Little Hope s’aventure cette fois dans le domaine de la sorcellerie en mettant en avant Will Poulter (Detroit, Midsommar), son nouvel acteur vedette. Sans grandes surprises, et ce malgré quelques ajustements de gameplay, on retrouve les mêmes qualités et défauts que le précédent volet, Man of Medan.

S’ouvrant sur une introduction semblant savourer le confort d’un modeste foyer américain, Little Hope nous dépeint une famille composée de membres aussi étranges que tordus voués à passer de vie à trépas en une fraction de seconde. Brûlés, empalés, défenestrés, il ne faut pas longtemps à ce second épisode pour enchaîner les morts brutales en nous laissant à nouveau l’impression que la plupart des nos choix sont illusoires et ne servent finalement qu’à amener des scènes plus violentes les unes que les autres. Quoi qu’il en soit, passée cette ouverture, le jeu bifurque vers une ambiance «Silent Hillesque» en nous propulsant, à la manière de Silent Hill : Downpour, sur une route de campagne où l’on retrouve un bus scolaire. La route étant bloquée par un convoi de police, le chauffeur doit alors faire un détour, ce qui, vous l’imaginez bien, va les conduire, lui et ses passagers, droit en enfer. Evitant de justesse une fillette au milieu de la route, le bus fait une embardée avant de terminer sa course sur le flanc. Fort heureusement, les cinq protagonistes principaux s’en sortent indemnes et décident alors d’explorer les lieux pour retrouver la civilisation.

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A l’instar de Man of Medan, Little Hope s’appuie sur un groupe disparate composé de personnages à la personnalité marquée. Cette fois, il y est question d’Andrew (Will Poulter), Angela, (Ellen David), Taylor (Caitlyn Sponheimer) et Daniel (Kyle Bailey), quatre étudiants accompagnés de John (Alex Ivanovici), leur professeur. Bien entendu, tout ce petit monde va devoir se serrer les coudes pour espérer sortir vivants de la sordide Little Hope, ville jumelée avec la Silent Hill de Konami. Le tableau étant dépeint, l’intrigue peut débuter…et rapidement décevoir. Sans surprises, et ce malgré les illustres références citées par les auteurs (The Witch, Projet Blair Witch, Hellraiser, It Follows, The Omen), Little Hope semble, tout comme son prédécesseur, totalement prisonnier de son format court (environ 4h pour terminer une run) et de ses multiples fins impactant vraisemblablement la cohérence du récit, la personnalité des personnages ou plus globalement la qualité de l’histoire.

Ainsi, autant dans leurs réactions face au danger ou lors de séquences plus banales, nombre d’entre elles sont peu crédibles et desservent complètement l’immersion et l’empathie pour les personnages. Difficile toutefois de dire si cela vient de l’écriture ou du jeu des acteurs (sûrement un peu des deux) devant également supporter à nouveau un important effet «uncanny valley» qui donne aux personnages des expressions involontairement drôles lorsqu’ils affichent des sentiments comme la colère ou le dédain. Même en faisant abstraction de ce constat, le scénario s’avère brouillon d’autant que deux temporalités (présent et passé) se confrontent. L’idée d’opposer les protagonistes à leurs doubles lors d’une chasse aux sorcières (influence, entre autres, de la pièce de théâtre The Crucible) aurait pu s’avérer être une bonne idée si Supermassive Games n’avait pas commis plusieurs erreurs.

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La première d’entre-elle vient ni plus ni moins que du surplus de jump scares (une constante chez le studio depuis Until Dawn) servant 90% du temps à faire la passerelle entre les deux époques. Si le premier d’entre-eux peut surprendre, le tour de passe-passe perd de sa force à mesure qu’on avance au point de devenir un gimmick facile et irritant. La seconde erreur est de ne pas avoir véritablement réussi à imbriquer cette chasse aux sorcières au sein de l’histoire globale, même en connaissant le twist final. Problématique d’autant que la thématique est centrale et qu’elle nourrit le récit du début à la fin au point que les courses-poursuites (mollassonnes et sans intérêt malgré un système de QTE légèrement remanié) avec les croquemitaines de cet opus deviennent secondaires en ne servant qu’à dynamiser un chouilla une exploration de Little Hope subissant de plein fouet une mise en situation maladroite nous donnant l’impression de tourner en rond à cause d’un nombre restreint d’environnements. On reprochera également à ce volet de proposer des séquences parfois trop longues dont la réussite (ou non) des QTE n’impacte pas nécessairement la conclusion. Idiot tout comme le fait de nous laisser à certains moments le choix entre deux voies pour mieux nous faire comprendre qu’on va de toute façon devoir vivre (subir) l’option A puis l’option B. Une manière artificielle et maladroite pour rallonger la durée de vie.

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S’embourbant à nouveau dans un niveau technique inégal, avec certes bien moins de freeze que dans Man of Medan mais comprenant toujours des hauts (certains décors, gestion des lumières) et des bas (l’effet uncanny valley décrit plus haut, des NPC d’arrière-plan sans visage et même pas animés lors des flash-back, de multiples soucis techniques -données corrompues, cinématiques ne se lançant pas, textures apparaissant tardivement…-), Little Hope se montre à ce point cousu de fil blanc que le joueur attentif pourra dès le départ glaner de gros indices sur le pourquoi du comment. Reste au final la possibilité de jouer avec quatre ami.e.s et de récupérer l’ensemble des collectibles pour profiter de quelques making-of et bonus intéressants. Un deuxième essai à peine plus intéressant que le premier donc qui n’arrive jamais à la hauteur de ses influences et qui aura bien du mal à surprendre si ce n’est dans sa propension à ne jamais réussir à imposer son ambiance (pourtant primordiale) ici parasitée par l’envie viscérale de nous faire sursauter à tout prix.

Bien que sorti dans plusieurs éditions sur diverses machines, The Last of Us procure toujours cette même fascination malgré les années qui passent. Récit poignant et violent de deux personnes liées par le destin dans une Amérique post-apo ne laissant aucune chance aux plus faibles, le titre de Naughty Dog sacralise comme aucun autre jeu sa narration au service d’une aventure sans concession. Logique que toutes ces qualités se retrouvent dans ce remake portant les fruits de Part II dont il se rapproche d’un point de vue visuel. Une bonne occasion pour le (re)découvrir sur PS5 à travers la magnifique restauration effectuée par les équipes de développement.

Si vous aimez les jeux d’action/aventure, il y a de fortes chances que vous ayez déjà parcouru en long et en large le premier The Last Of Us, que ce soit sur PS3, PS4 ou PC. Dès lors, compte tenu du prix de 80 euros, y’a-t-il un intérêt à racheter cette version synonyme de restauration complète, de gameplay légèrement retouché, de bonus concernant la création de Part I et Part II mais aussi du magnifique DLC The Left Behind  ?

Sur ce point, je vous laisserai seul juge d’autant qu’il me semble plus judicieux de faire abstraction du prix pour parler d’une œuvre aussi forte sachant qu’un prix de vente ne reflète pas nécessairement la qualité d’un jeu, qu’il soit bon ou mauvais. Le débat est bien entendu ouvert, il existe plusieurs façons de penser la chose, surtout dans le cadre d’une review, mais retenez qu’en lisant les lignes ci-dessous, vous aurez quelques éléments de réponse pour savoir si le titre vous paraît suffisamment intéressant pour repasser à la caisse. Une fois sorti de ces considérations pécuniaires, l’important est de savoir si aujourd’hui encore, le premier volet de la saga de Naughty Dog est toujours aussi indispensable pour, entre autres, celles et ceux qui voudraient se forger une culture vidéoludique.

ATTENTION toutefois, puisque pour les besoins de cet article, j’évoque l’ensemble des événements du jeu, fin comprise. De fait, si seule la restauration vous intéresse, veuillez vous reporter au paragraphe dédié.

Des personnages que tout oppose au service du drame à venir

Formant désormais un véritable dyptique jusque dans son nom avec The Part II, The Part I s’axe plus que jamais autour de ses deux personnages principaux, Joel et Ellie. Il est d’ailleurs bon de rappeler que ce n’est pas avec son gameplay mixant, sans grande originalité mais avec une vraie efficacité, infiltration et action, ni même son univers, renvoyant à celui du film Je Suis une Légende, que le jeu a acquis ses lettres de noblesse. Si le titre a autant marqué, c’est bel et bien grâce à son écriture, le développement de ses personnages, son couple d’acteurs vedette, Troy Baker et Ashley Johnson, ou bien encore les magnifiques compositions de Gustavao Santaolalla (21 Grammes, Le Secret de Brokeback Mountain) offrant au jeu une véritable identité musicale.

Chaque choix de Straley et Druckmann (également scénariste du jeu) est mûrement réfléchi. Chaque élément, chaque idée participent à la construction de l’histoire et au vécu des personnages qui va influer sur les décisions qu’ils seront amenés à prendre. Dès le départ, The Last of Us définit le personnage de Joel comme un homme prêt à tout pour protéger ceux qu’il aime. Avec son introduction menée tambour battant, les deux réalisateurs décrivent, dans un style proche d’un reportage de guerre, la fuite de Joel et de sa fille Sarah à travers une ville en proie aux flammes et à des attaques d’infectés. Passant d’une scène chaleureuse, afin de cimenter l’attachement du père pour sa fille, à une conclusion glaçante voyant la mort de Sarah, le jeu affiche rapidement ses ambitions : nous surprendre pour mieux nous retourner émotionnellement, en nous faisant comprendre à quel point tout peut arriver dans ce monde en friches, que personne n’est à l’abri.

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En retrouvant le personnage 20 ans plus tard, alors que la pandémie a ravagé le monde entier, il est inutile de se perdre en explications superflues pour décrire l’état mental de Joel. Lorsqu’il accepte de conduire Ellie au groupe des Lucioles à l’autre bout des Etats-Unis, l’homme a perdu tout ce qui avait de l’importance pour lui et ne fait que survivre en acceptant des jobs à la morale douteuse. Ellie n’est rien pour lui et c’est via l’évolution de cette relation que The Last of Us va décrire le parcours mental de ses deux personnages. L’idée de Neil Druckman est ici de confronter ces deux êtres que tout oppose. Joel a connu la civilisation passée et ne voit plus rien de beau dans le monde actuel alors qu’Ellie le découvre et s’émerveille d’un rien. Elle demeure en cela très proche du joueur, ceci étant plus vrai pour cette Part I. Toute cette dualité, cette complémentarité, fait le charme de ce premier volet qui, à travers ce rapprochement, va progressivement amener Joel à redevenir l’homme qu’il était, même si cela doit impliquer des choix douloureux.

Assister et subir émotionnellement pour le bien de l’histoire

C’est d’ailleurs l’un des points intéressants de The Last of Us qui ne permet pas aux joueurs de prendre leurs propres décisions, à l’inverse d’autres titres proposant par là même de faire évoluer la morale du personnage. Le jeu de Naughty Dog est en quelque sorte l’antithèse des The Walking Dead de Telltale Games dont l’objectif était justement de nous laisser la possibilité de faire quantité de choix afin de changer, dans une certaine mesure, la fin des épisodes mais aussi et surtout de nous permettre d’être plus en accord avec les actions de Clémentine et donc de créer davantage d’empathie. Ici, le joueur n’a d’autre choix que d’accepter les réactions d’Ellie et de Joel. Lorsque ce dernier choisit de tuer des gens innocents dans l’hôpital pour sauver Ellie, on comprend son acte sans pour autant légitimer ses motivations égoïstes. Quand il ment à celle-ci car il sait que la jeune fille ne pourra accepter ce qu’il a fait, on éprouve un sentiment paradoxal de colère et de soulagement. The Last of Us est difficile à accepter dans ses prises de position mais nous fait comprendre que tout est une question de point de vue et que notre vécu nous définit et nous pousse à faire des choix qui peuvent nous sembler justes… Même lorsqu’il s’agit de sacrifier l’avenir de l’Humanité.

Ce n’est donc pas le joueur qui est maître du destin des personnages mais bel et bel et bien leurs créateurs. C’est en cela qu’on peut vraiment qualifier The Last of Us de blockbuster d’auteur. Tout en ne déviant nullement de sa narration initiale, le titre déploie en parallèle d’énormes moyens pour crédibiliser son univers. Sa production n’a rien à envier à celle des blockbusters cinématographiques auxquels il emprunte un compositeur, une direction d’acteurs et des montées d’adrénaline régulières synonyme de séquences d’action explosives ou de passages horrifiques chargés de tension. Prenant le meilleur du cinéma et du jeu vidéo, ce premier volet accentue qui plus est l’immersion et l’empathie à travers des idées intelligentes comme celle de nous faire incarner Sarah lors du prologue (et donc de multiplier l’impact émotionnel lors de sa mort) puis Ellie, en milieu de partie, soit les deux «filles» de Joel.

Une réalisation au diapason…

Usant au mieux de la narration environnementale pour affiner les sentiments des protagonistes, le jeu ne cesse de déployer des trésors d’ingéniosité pour dépeindre l’évolution de ses acteurs. Comme nous le disions quelques lignes plus haut, le choix de Troy Baker (comédien de doublage chevronné) et Ashley Johnson (ayant débuté en 1990 dans le Full Contact de JCVD) participe grandement à la réussite du titre. La performance physique et vocale des acteurs était essentielle pour provoquer l’émotion recherchée et sur ce point, c’est une totale réussite, aussi bien en VO qu’en VF grâce aux excellentes performances d’Adeline Chetail et Cyrille Monge.

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On retrouvera d’ailleurs l’ensemble de ses qualités dans le DLC Left Behind, prélude à l’aventure originale se concentrant sur Ellie et Riley, meilleure amie et premier amour de la jeune fille. Reflet du jeu de base, Left Behind synthétise à merveille ses meilleurs aspects via une écriture soignée et quelques trouvailles des plus poétiques à l’image de la séquence du jeu d’arcade durant laquelle Riley décrit à une Ellie fermant les yeux et agrippée aux joysticks de la borne, une partie imaginaire.

… Sublimée par la restauration

Tous ces atouts sont ici magnifiés par la forme synonyme d’un incroyable travail de restauration de la part des équipes de Naughty Dog. A travers les jeux de lumière, les expressions faciales, des effets gore accentuant la brutalité des gunfights, les décors, on redécouvre le titre se rapprochant du niveau technique de The Part II. Dès lors, la forme se met comme jamais au service de l’écriture en créant encore plus de compassion pour les personnages qu’ils soient issus du jeu original ou de Left Behind, tout en magnifiant l’émotion inhérente à certains dialogues. Au delà de la gestion de la DualSense (gachettes adaptatives et retour haptique), de multiples options d’accessibilité, déjà présentes dans la Part II, et d’un (totalement anecdotique) mode Speedrun, on saluera également l’idée d’avoir intégré plusieurs making-of du jeu ainsi qu’une série de podcasts, déjà publiée sur Spotify, revenant sur la création des deux titres en compagnie des acteurs, scénaristes et réalisateurs. Un excellent moyen pour plonger au cœur de l’aspect créatif.

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Quand le jeu vidéo fait son cinéma

Sans chercher à s’affranchir de son but premier, divertir, The Last of Us parvient à conjuguer l’action et le frisson à une vision d’auteur ne cédant jamais aux poncifs du genre. Bien que s’articulant autour d’une progression classique, le titre ne délaisse en aucun cas ses personnages à qui il offre une conclusion aussi poignante qu’ambiguë. S’inspirant à nouveau du cinéma, et plus particulièrement du film La Route de John Hillcoat, la fin sonne comme un véritable coup de massue lorsqu’Ellie demande à Joel ce qui s’est passé dans l’hôpital dont il l’a extirpé. Optant pour un simple dialogue en champ contre-champ, Druckmann et Straley misent à nouveau sur leur écriture et la prestation de leurs acteurs pour faire vivre la scène. Ellie écoute le récit de Joel et sans rien laisser paraître sur son visage, ne lui offre qu’un laconique «Ok» en guise de réponse. Plus puissante que n’importe quelle scène d’action, cette conclusion laisse ainsi aux joueurs le soin de l’apprécier comme ils l’entendent tout en remettant en avant les fondamentaux de The Last of Us : créer l’émotion et susciter la réflexion, choses dont très peu de blockbusters vidéoludiques peuvent se targuer.

En soi, The Last of Us s’apparente plus à un film, du point de vue narratif, et reflète les ambitions cinématographiques de Naughty Dog. Avec ce titre, le scénariste Neil Druckmann conçoit un jeu plus personnel à l’intérieur d’une structure de AAA. En choisissant un angle plein de noirceur, presque nihiliste, le jeu synthétise ce besoin d’aller plus loin, de prouver qu’il est possible de concilier grandes ambitions artistiques et écriture intimiste. Avec TLOU, les Californiens positionnent leur oeuvre au niveau de ses illustres modèles et cherchent en quelque sorte à anoblir le jeu vidéo qui n’a plus à rougir de la comparaison avec le septième art.

Poursuivant sa politique d’adaptations, Sony continue de proposer ses plus grands crus aux joueurs PC. Après l’exceptionnel God of War, c’est au tour de l’étourdissant Marvel’s Spider-Man de débarquer sur nos machines, quatre ans après son arrivée sur PS4. Nanti de quelques améliorations et profitant de l’ensemble des DLCs du jeu de base, le titre d’Insomniac Games (Ratchet & Clank) fait encore figure de mètre étalon en matière de jeux de supers-héros, juste derrière un certain Batman Arkham City. Une occasion à ne surtout pas manquer.

Si on se hasardait à faire un parallèle entre la franchise vidéoludique et cinématographique, on pourrait comparer ce nouveau Spider-Man aux deux premiers films de la trilogie de Sam Raimi sortis en 2002 puis 2004. En effet, les deux œuvres entretiennent de nombreux points communs à commencer par la vision des réalisateurs, ancrée dans les origines du héros à travers le traitement du personnage mais aussi celui de ses ennemis. De fait, si les deux longs-métrages de Raimi respiraient la passion pour l’âge d’or du Tisseur, le jeu d’Insomniac prend lui aussi le pari de miser sur les icônes qui ont alimenté les premières aventures de Spidey tout en actualisant le propos. En s’imprégnant de la formule Sony à travers une histoire forte, des personnages creusés et une mise en scène léchée, Marvel’s Spider-Man dépoussière le personnage sans pour autant singer ce qui se fait actuellement au cinéma. Et c’est là que le projet devient intéressant car au-delà du fait que le jeu fasse partie du canon officiel des comics, Insomniac propose sa propre vision du personnage. Sans renier les traits de caractère du personnage, ce Spider-Man parvient malgré tout à surprendre, à émouvoir tout en véhiculant un incroyable sentiment de puissance et de liberté. N’est-ce pas là ce qu’on attend d’un tel jeu ? Assurément.

S’inspirer, imiter, améliorer

Comme nous le disions un peu plus haut, Spider-Man s’appuie sur la charte de qualité Sony en respectant à la lettre ce qui a fait le succès d’Uncharted 4 : A Thief’s End, d’Horizon : Zero Dawn ou bien encore God of War. En résulte un jeu qui cherche à aller plus loin qu’un simple Open World truffé de missions secondaires destinées à rallonger artificiellement la durée de vie.

Attardons-nous cependant sur ce point ou plutôt cet écueil commun à beaucoup de jeux du même genre, qu’ils soient bons ou mauvais.

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Dans ses grandes lignes, Spider-Man ne réinvente pas la roue et opte même pour une structure classique architecturée autour d’une histoire principale, de quêtes annexes et autres collectibles à récupérer. Néanmoins, le titre a pour lui de s’appuyer sur un gameplay parfaitement huilé et surtout un système de jeu savamment pensé afin de minimiser le côté redondant de l’ensemble tout en préservant intact le plaisir de jeu. Sur ce point, Spider-Man étonne, autant dans son ingéniosité que dans sa finition. De fait, à l’image d’un certain God of War, tout est lié dans Spider-Man et incite constamment à alterner entre les multiples quêtes annexes pour récupérer différents types de jetons indispensables pour obtenir de nouvelles capacités, des gadgets ainsi que des costumes. On ne se fera donc pas prier d’autant que le jeu propose un bon challenge en Normal, le mode Difficile réclamant pour sa part une maîtrise parfaite du gameplay.

En somme, en soumettant suffisamment d’activités tournant autour des combats, de l’infiltration et des déplacements dans la ville, Spider-Man trouve un équilibre très agréable en évitant le piège d’une trop grande répétition. D’autant plus vrai qu’au sein d’un même type de quêtes, les objectifs peuvent varier ainsi que la méthode pour les boucler. On retrouve également ce degré de finition dans les items à récupérer, ici des sacs à dos, puisque chaque baluchon sera synonyme d’un objet lié à la vie Peter Parker avec un petit commentaire audio de l’intéressé à la clé. Certes, il s’agit ici d’un élément récurrent des Open World mais il faut avouer que l’envie de découvrir tous ces objets est bel et bien réelle grâce à «ces petites carottes mythologiques». On appréciera aussi d’avoir quelques missions secondaires renvoyant à d’autres personnages gravitant autour de Spidey à l’image de ce qui avait été fait dans les Batman Arkham, l’une des références évidentes du jeu d’Insomniac. Spider-Man reprend donc le meilleur de plusieurs jeux en peaufinant quantité de petites choses afin de proposer le quartier de Manhattan dans laquelle on aime se balader de building en building tout en arpentant les rues au détour desquelles on pourra assister à un braquage, un vol de voiture, des tentatives d’intimidation, bref, autant de raisons de sauver la veuve et l’orphelin.

Quand Spider-Man fait son cinéma

Au-delà de son monde ouvert, vivant et incitant à la découverte, Spider-Man peut également compter sur sa mise en scène. Diablement dynamique et fortement inspirée par le cinéma hollywoodien, autant dans son obsession à embellir chacun des mouvements de Spidey que dans ses cadrages impossibles, la réalisation joue constamment avec les lieux de l’action et ses protagonistes pour offrir au spectateur une dimension cinématographique très immersive. On retrouve d’ailleurs cette volonté lors de certaines séquences en QTE ponctuant des passages de gameplay quand il s’agit d’accentuer diverses émotions. Sans être intrusives, ces phases s’imbriquent bien dans l’ensemble et portent à bout de bras cette volonté de proposer quelque chose d’impressionnant et de marquant pour le joueur.

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En marge de l’action, Spider-Man n’oublie pas de développer ses personnages pour les rendre plus attachants. Pari réussi et si après God of War, on était curieux de voir ce que le jeu d’Insomniac allait donner à ce niveau, force est de constater qu’on est surpris par certains passages touchants et des dialogues étonnamment bien écrits, surtout entre Peter Parker et Otto Octavius. Mentionnons aussi les interventions radiophoniques de JJ Jameson, audibles lorsqu’on se balade dans NY, délectables dans leur mauvaise fois et souvent très drôles à cause du cynisme éhonté du personnage qui n’est plus à présenter. A ce sujet, attardons-nous quelques secondes sur le doublage français, en tout point excellent, mené de bout en bout par un Donald Reignoux en très grande forme et soutenu par une équipe de doubleurs parfaitement à l’aise dans leurs rôles respectifs. On trouvera toutefois étrange de ne pas pouvoir profiter du doublage original pour le moment, autrement qu’en passant la console en anglais.

Combattre, s’infiltrer

Artistiquement parlant, Spider-Man est donc une franche réussite. La bonne nouvelle est que son gameplay s’avère tout aussi bon et délectable. Les développeurs ont également saisi le besoin de concevoir un système imbriquant tous les éléments afin de minimiser le côté répétitif en incitant le joueur à varier les plaisirs. Et ça marche ! Le tout est pourtant d’une simplicité assez évidente. Ainsi, bien que Spider-Man s’appuie sur un système conventionnel de gain d’expérience avec montée de niveaux, ces passages vous rapporteront des points de compétence indispensables pour débloquer des skills parmi trois arbres, chacun associé à une façon de combattre et/ou de se mouvoir. Vous êtes davantage porté sur les attaques silencieuses et les projections ? Optez pour Innovateur ! Vous misez plutôt sur les combos et l’esquive ? Défenseur est fait pour vous. Vous ne manquez pas une occasion de bondir, de combattre dans les airs et d’effectuer des mouvements gracieux ? Que diriez-vous de l’arbre Tisseur ? A vous de voir même si en jouant normalement, vous devriez tout débloquer sans trop d’efforts et ainsi avoir une bonne panoplie de coups à disposition.

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Sur ce point, Spider-Man est d’ailleurs un modèle du genre et bien que les mouvements soient nombreux, la jouabilité s’avère accessible en combinant la plupart du temps deux boutons, l’appui prolongé sur l’un d’eux ou le martelage d’une touche pour les combos de base. Le sentiment de puissance est d’ailleurs bien présent au fur et à mesure qu’on progresse dans le jeu et procure une excitation certaine lorsque face à des vagues d’ennemis, on parvient sans peine à user de toutes nos capacités pour en venir à bout avec classe et aisance. Effectuer une esquive parfaite en aveuglant avec un jet de toile un ennemi qui vient de nous tirer dessus au bazooka, balancer plusieurs éléments du décor pour affaiblir l’adversaire, les entoiler au mur, désarmer des bad-guys en leur lançant leur arme à la figure, effectuer des combos de 50 coups tout en usant de vos pouvoirs deviendra rapidement une seconde nature. Toutefois, si vous avez encore des problèmes, vous aurez la possibilité d’utiliser plusieurs gadgets (rechargeables après un certain temps) et une capacité liée à chaque costume débloqué.

A ce sujet, on en note pas moins de 26 et presque autant de pouvoirs ici aussi rechargeables après quelques minutes. Outre l’aspect esthétique et pas mal de fan service, vous aurez la possibilité de choisir le vêtement le plus seyant et d’y associer n’importe quel pouvoir pour peu que vous ayez débloqué au préalable le costume associé. Sachant que chaque acquisition de costume, gadget ou mod de tenues (pour des améliorations passives) vous réclamera différents types de jetons, vous comprendrez vite qu’il vous faudra varier les plaisirs en switchant constamment entre les bases de Kingpin à nettoyer, les crimes de rues à résoudre, les recherches d’Harry Osborn, les pigeons d’Harold à récupérer, etc. Le tout s’appuyant encore une fois sur un gameplay en tout point excellent, le sentiment de lassitude s’avère finalement très peu présent, même après avoir bouclé l’aventure, lorsque vous pourrez errer dans New York pour terminer l’ensemble des quêtes à disposition.

Nuançons tout de même ce tableau idyllique par quelques défauts qui auraient pu être facilement gommés. En premier lieu, si les combats de boss ont bénéficié de beaucoup de soin à l’image de certains passages totalement inspirés par les Batman Arkham, on aurait apprécié qu’Insomniac rajoute un peu plus de bad-guys dans les missions annexes. Certes, on a bien droit à une quête de Black Cat mais on ne l’aperçoit même pas une seule seconde afin de préserver la surprise pour le DLC à venir. Très maladroit. De même, une autre quête liée à un ancien membre des Sinister Six (ça vous laisse pas mal de possibilités !), est une bonne surprise même si le combat de boss qui en résulte est malheureusement en deçà des autres. On aurait apprécié un peu plus de générosité à ce niveau-là. Heureusement, les défis (course, combat, infiltration) de Taskmaster s’avèrent sympathiques et nous permettent même de croiser le fer avec l’anti-héros à plusieurs reprises.

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On reprochera aussi aux développeurs d’avoir un peu trop abusé de deux mini-jeux nous demandant de raccorder des circuits et d’associer des échantillons pour trouver une séquence spécifique. Bien que ces mini-jeux (de plus en plus difficiles), d’abord présents dans le labo de Doc Ock, ne soient pas obligatoires, on devra en parallèle se les coltiner à de nombreuses reprises au cours de l’aventure. Si ces derniers ne sont pas désagréables, on ressent rapidement leur manque de variété.

Enfin, si Spider-Man offre en sus des phases d’infiltration, on sent bien qu’à l’inverse d’un Batman Arkham qui s’articulait parfaitement autour de ces deux axes que sont l’action et la furtivité, le jeu d’Insomniac a davantage été pensé à travers son système de combat et ses déplacements. Certes, on peut effectuer des attaques silencieuses, éliminer des gardes en les entoilant au plafond mais le peu de gadgets directement associés à ces séquences et la façon de procéder fait qu’on rentre vite dans une certaine routine. Le tout fonctionne mais lasse assez vite et ce ne sont pas les passages avec Mary Jane qui y changeront quelque chose, ceux-ci étant trop scriptés et faciles pour vraiment plaire malgré une bonne idée de départ afin d’apporter quelques changements de ton à la progression et au récit.

Des (é)toiles plein les yeux

Bien entendu, tout ceci ne serait rien sans un terrain de jeu à la hauteur. On vous rassure, Manhattan est au niveau de tout le reste. Mieux, après plus de 25 heures, on éprouve toujours du plaisir à la parcourir de long en large, sans utiliser le Fast Travel pourtant disponible après un petit moment. Il faut dire que le système de déplacement est extrêmement souple, fluide et crédible, Spidey ne pouvant par exemple pas se servir d’un nuage pour accrocher ses toiles. Le combo Swing/Parkour se révèle exquis et procure un vrai sentiment de liberté aussi bien quand il s’agit de se balancer de building en building, de courir sur une façade de bâtiment ou en marchant dans des rues animées à divers moments de la journée. On appréciera alors de se poser quelques instants en scrutant des plans dignes d’une carte postale sur le rebord d’un immeuble, entouré de pigeons picorant quelques graines.

Ce niveau de finition se retrouve en outre dans les divers effets spéciaux, les plans de caméra (lors des finish moves) et aussi et surtout les animations de Spider-Man, plus élastique que jamais. Les artistes d’Insomniac s’en sont donné à coeur joie et cela se ressent dans chaque acrobatie nous donnant véritablement l’impression d’incarner Spider-Man, celui-là même qu’on a connu dans les pages de Strange, à la télévision ou au cinéma. Et c’est bien ça finalement qui fait de Spider-Man un jeu aussi excellent malgré ses défauts. Tout comme Rocksteady avec le Dark Knight, Insomniac Games s’est complètement approprié le super-héros et a réussi à proposer sa vision du New-Yorkais, toujours aussi blagueur mais plus humain et incroyable que jamais quand il s’agit de passer à l’action.

Super PC pour super-héros ?

Concernant cette nouvelle version, sans surprise, Sony a effectué du bon boulot. Déjà d’un point de vue du contenu, vous aurez le droit aux DLCs sortis à l’époque. Au nombre de trois (Le Casse, La Guerre des Gangs et Le Retour de Silver), ils forment une histoire complète mettant en scène de nouveaux personnages à l’image de La Chatte Noire, Silver Sable, Hammerhead, etc. Si on y trouve des costumes supplémentaires, le tout s’avère malheureusement assez limité avec trop de longueurs inutiles et une courbe de difficulté plutôt mal gérée. Reste que l’ensemble rajoute malgré tout quelques heures au compteur, ce qui n’est pas négligeable tant le gameplay reste agréable.

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D’un point de vue technique, même si j’ai constaté quelques bugs graphiques ici et là (testé sur un PC i7-9700K 3,6 Ghz, GeForce GTX 1070, 16 Go de RAM), l’ensemble s’avère extrêmement fluide (avec des réglages en Élevés, résolution 3440×1440, 60fps sans Ray Tracing) même si il conviendra d’avoir, selon les recos de PlayStation, une GeForce RTX 3080 ou une Radeon RX 6950XT pour avoir une expérience optimale (4K/60 avec Ray Tracing). On appréciera également à l’image de God of War la gestion des écrans ultra wide (21:9), du DLSS d’Nvidia ou bien encore de la manette DualSense.

Quoi qu’il en soit, si vous avez une configuration qui, à l’image de la mienne, commence un peu à dater, vous pourrez malgré tout profiter de ce titre trônant toujours dans le trio de tête des meilleures adaptations de supers-héros de tous les temps aux côtés des Batman Arkham.