Étiquette : Critique

Après deux open world extrêmement riches, la saga Horizon revient sous la forme d’un jeu LEGO avec tout ce que ça sous-entend d’humour et de briquettes à ramasser. Un choix étonnant mais dont la qualité l’est également d’autant que le titre n’est cette fois pas développé par Traveler’s Tales, habitué à la licence, mais par le Studio Gobo (dont c’est le tout premier jeu), épaulé par Guerrilla Games.

Reprenant des éléments de l’histoire d’Horizon pour en sortir une version très condensée (voire approximative), LEGO Horizon Adventures nous raconte l’histoire d’Aloy qui va devoir éradiquer une IA récalcitrante à travers plusieurs chapitres. Si le tout est bien rôdé en terme de missions et d’objectifs, on doit malheureusement composer avec une qualité d’écriture lourdingue synonyme de blagues aussi hilarantes qu’un spectacle de Kev Adams et de nombreuses cinématiques plombant le rythme mais pouvant néanmoins êtres zappées. Le tout part plutôt mal mais le titre du Studio Gobo a, heureusement, d’autres cordes à son arc.

Bien que dans sa construction, le jeu se révèle très classique, le système fonctionne bien et participe grandement au plaisir de la découverte d’autant qu’il évite l’aspect bourratif de certains autres jeux LEGO. Ainsi, on devra explorer un minimum pour dénicher des coffres remplis de pièces qui nous serviront à acheter quantité de costumes mais aussi des éléments de décoration pour personnaliser notre village, hub par lequel on passera entre chaque mission. C’est également ici qu’on pourra jeter un œil aux tâches communautaires (terminer tel chapitre avec tel costume, éliminer x ennemis avec un gadget spécifique…) qui une fois terminées nous procureront des briques dorées pour construire davantage de bâtiments. Enfin, on pourra également dépenser notre pécule pour augmenter les capacités des quatre personnages jouables (plus de cœurs, armes faisant davantage de dégâts, obtention d’un surplus d’EXP en éliminant des machines….).

Habile transition pour vous parler desdits personnages jouables : Aloy, Varl, Teersa et enfin Erend. Si dans l’absolu, opter pour l’un ou l’autre ne change pas grand chose, chacun d’entre eux possède une arme principale et secondaire ainsi que des gadgets spécifiques, ceci influant quelque peu sur la stratégie face à certains boss ou groupes d’ennemis. En effet, utiliser un arc, un marteau ou bien encore des câbles et autres tourelles pour venir à bout des vos adversaires pourra influer légèrement la donne, surtout lorsque vous affronterez les machines suprêmes ou partirez en Expédition dans des zones déjà terminées remplies d’ennemis plus coriaces. On regrettera d’ailleurs que sur les quatre guerriers proposés, Teersa soit en dessous des autres, notamment à cause de l’obligation de charger ses lancers sachant que sans ça, l’amplitude de ses tirs est bien trop réduite. On la délaissera donc au profit des trois autres beaucoup plus adaptés aux combats nécessitant de se déplacer et de tirer rapidement.

A ce sujet, on sera agréablement surpris par le niveau de difficulté parfaitement dosé et proposant un bon challenge dès le mode Normal. Il vous arrivera donc de succomber plus d’une fois dans LEGO Horizon Adventures mais heureusement, les check points bien placés empêcheront toute forme d’agacement et de lassitude. Cependant, si les armes et gadgets sont en grand nombre, il est dommage que l’aspect infiltration ne fonctionne pas et devienne vite caduque, notamment à cause d’une visibilité réduite. On préférera utiliser les astuces de certaines arènes nous permettant de faire s’écrouler des piliers ou d’électrifier l’eau pour bloquer les créatures sans parler de la feature principale, issue du jeu original, consistant à viser les faiblesses des machines pour leur faire davantage de dégâts.

Ces éléments mis bout à bout, auxquels on ajoutera l’inévitable mode Coopération pour deux joueurs (en local ou online), confèrent au jeu une grande fluidité dans la progression s’étalant sur quatre chapitres eux-mêmes subdivisés en plusieurs niveaux profitant de biomes disparates (intégrant qui plus est les creusets) et d’un level design bien pensé. On aura ainsi plaisir à tout débloquer (éléments de déco et costumes scindés en plusieurs univers, de Horizon à LEGO Ninja en passant par LEGO City) et à monter au max nos personnages avant d’aller boucler les derniers challenges durant une quinzaine d’heures pour aller chercher le Platine.

Conclusion

LEGO Horizon Adventures est ce qu’on appelle une bonne surprise que nous n’attendions absolument pas. S’appuyant sur l’héritage de Traveler’s Tales et un lore imposant, le titre du Studio Gobo se montre étonnamment amusant voire challengeant lors de certains affrontements. Nanti d’un solide gameplay et évitant de tomber dans l’excès des précédents jeux LEGO, LEGO Horizon Adventures n’évite malheureusement pas tous les pièges. Trop de cinématiques, un humour forcé pas vraiment drôle, un des quatre personnages jouables vraiment en dessous des trois autres ou bien encore un aspect infiltration raté. Des erreurs de jeunesse qui ne vous empêcheront néanmoins pas de vous amuser.

Concurrente de la saga Resident Evil, Silent Hill prend, dès le départ, le parti d’être complémentaire à la série de Capcom en jouant davantage sur l’aspect psychologique de son intrigue que sur son action. En résulte un nombre important d’épisodes (dix) dont Silent Hill 2 est encore aujourd’hui le mètre étalon. S’attaquer à un tel monument n’était pas chose aisée mais Bloober Team (Layers of Fear, Observer, The Medium) a mis toute sa passion et son expertise pour ressusciter cet incontournable avec talent et respect.

Dès son introduction, Silent Hill 2 pose les bases de l’aventure à venir. Seul dans les toilettes d’un parking bordant la ville de Silent Hill, James Sunderland fait face à son propre reflet. Il passe alors la main sur son visage comme pour se persuader qu’il se trouve bel et bien là, avant d’entamer une longue descente vers la bourgade américaine afin d’y chercher Mary, sa femme disparue. Bien que plusieurs façons d’appréhender le jeu se côtoient depuis la sortie de l’original, jouer à Silent Hill 2 reste une expérience immersive et, logiquement, ceci est encore plus vrai avec ce remake.

C’est tout d’abord la forme qui permet une plus grande immersion avec des modèles 3D, des textures, des effets qui n’ont plus rien à voir avec ceux de l’original. Sur ce point, Bloober Team a fait de l’excellent travail en rendant Silent Hill plus mystérieuse, plus surréaliste que jamais, en prenant le meilleur de l’original mais aussi de la version cinématographique de Christophe Gans. Plonger dans ces rues désertes dont les accès sont bloqués par des immenses murs de toile, des gouffres béants, braver ce brouillard impénétrable au son des grésillements de notre radio annonçant la proximité d’une créature, prend encore plus aux tripes. La forme accentue le malaise et qu’on connaisse ou non l’histoire, la (re)découverte du jeu fascine toujours autant. Les développeurs ont également eu la bonne idée de faire à nouveau appel à Akira Yamaoka, dont les compositions, si typiques et indissociables de la série, habillent toujours aussi parfaitement les images influencées par les œuvres de Escher, Bosch ou bien encore Francis Bacon.

Plus insondable que jamais, Silent Hill se pare ici d’une atmosphère poisseuse, suintante, tout en se drapant parfois dans de très beaux jeux de lumière. La série se pose plus que jamais comme la saga rivale et complémentaire de celle de Capcom, déjà par le simple fait de ne jamais mettre en avant son action malgré la présence de boss (dérangeants à souhait) ou bien encore le choix d’une difficulté (Facile, Normale ou Difficile) influant également sur les puzzles bien plus recherchés que ceux de Resident Evil. Mais c’est surtout à travers son histoire que Silent Hill 2 fascine une fois de plus. Bloober Team n’a finalement pas changé grand-chose (sorti de quelques dialogues réécrits) et c’est une bonne nouvelle d’autant que l’immersion est accentuée grâce à la caméra épaule remplaçant les angles plus éloignés de l’original.

On sera par contre déçus de ne pas retrouver le scénario Born from a Wish qui offrait un peu plus de profondeur au personnage de Maria, centrale dans le récit. Néanmoins, les documents supplémentaires contribuent à densifier un scénario psychologique où l’amour côtoie les thèmes du pardon, du deuil, du déni, en transformant le tout en autant de névroses guidant un homme s’enfonçant toujours un peu plus dans sa Psyché. Si on regrettera les propos du producteur ayant récemment expliqué certains éléments du scénario (il aurait mieux fallu garder la part de mystère afin que chacun se fasse sa propre opinion), l’écriture fait encore sensation et va de pair avec le rythme lancinant ou bien encore les lieux visités revisitant les grands classiques du cinéma d’horreur : l’hôpital, l’immeuble à l’abandon, la prison et bien sûr, dans le cas présent, les rues de Silent Hill, que ce soit dans leur version altérée ou non.

Ainsi, entre un gameplay assoupli comprenant quelques ajouts (mais aussi certains défauts comme la relative imprécision des interactions avec les objets à récupérer) et des affrontements plus agréables, un visuel joliment dépoussiéré (que ce soit en mode Qualité ou Performances et ce malgré quelques reflets « glitchés »), une durée de vie rallongée (une vingtaine d’heures est nécessaire pour boucler une première run, bien plus si vous désirez voir les huit fins disponibles dont deux inédites) et le plaisir de retrouver ce ressenti délicieusement anxiogène, Silent Hill 2 Remake réussit son pari de ressusciter cette légende du survival horror qui dans sa construction s’avère classique mais toujours aussi efficace.

Conclusion

Vingt-trois ans après sa sortie sur PS2, Silent Hill 2 impressionne toujours autant par son atmosphère, sa narration et ses niveaux de lecture influant grandement sur l’interprétation qu’on se fait de l’œuvre. Techniquement moins impressionnant que le remake des derniers RE, n’intégrant pas le scénario Born from a Wish, Silent Hill 2 Remake parvient néanmoins à immerger le joueur, grâce à son travail sur les ambiances, les affrontements (plus souples qu’à l’époque) ou bien encore son excellent sound design épaulé par quelques nouvelles compositions d’Akira Yamaoka. Des raisons suffisantes pour (re)découvrir ce classique de l’horreur aussi envoûtant que malsain.

Après un premier contenu assez décevant malgré un concept excitant, Alan Wake II profite d’Halloween pour sortir son deuxième DLC. Bien qu’Alan soit constamment cité, cette extension nous propose d’incarner l’agent Estevez qui va investiguer du côté de La Maison du Lac, un complexe de l’Agence menant diverses expériences pour contrer le romancier naviguant entre les différents univers. Tout un programme pour un résultat anxiogène mais pour le moins étrange.

Inviter le joueur dans un lieu clos pour susciter l’effroi n’est pas nouveau, pas plus que de le plonger dans l’obscurité en l’entourant de créatures cauchemardesques. C’est même le propre de la plupart des survival-horror, passés comme actuels. De fait, afin de rendre l’expérience plus intéressante, The Lake House s’est attaché à approfondir le récit. D’abord, pour donner un sens aux deux heures qu’il vous faudra pour boucler ce contenu et ensuite, pour densifier les connexions entre Alan Wake et Control pour cimenter un peu plus le RCU (Remedy Connected Universe). Le tout a du sens mais on voit d’ores et déjà les limites d’un tel procédé dans le cas présent.

En effet, The Lake House n’apporte finalement pas grand chose à l’univers d’Alan Wake et ce malgré quelques très bonnes idées à l’image des machines à écrire censées reproduire le style de l’écrivain pour influer sur la réalité et ainsi contrôler l’Ombre. D’un côté, ce DLC adopte une fois de plus cette dimension horrifique voire métaphysique en imbriquant le tout dans l’univers de Control via différents personnages, à commencer par l’agent Kiran Estevez travaillant pour Le Bureau, ou bien encore un teasing pour le déjà annoncé Control 2. L’idée est légitime mais ceci démontre avant tout la volonté de densifier le RCU plutôt que d’apporter une véritable extension à Alan Wake 2 par ailleurs ici totalement absent hormis via quelques lectures de documents. On ne sera donc pas surpris que The Lake House soit quasi indissociable de l’extension AWE de Control en reprenant même certains lieux iconiques de ce dernier. Bref, si vous n’avez fait ce titre, vous n’aurez clairement pas toutes les clés en main pour saisir toutes les subtilités du scénario.

A ce sujet, on notera également une des faiblesses déjà constatées dans Control et Alan Wake 2 synonyme d’une myriade de documents à lire. Avoir un lore passionnant est une chose, savoir l’installer, le raconter, en est une autre. A ce petit jeu, Remedy n’est clairement pas un bon élève à l’image de Guerrilla Games et leur saga Horizon subissant exactement le même écueil. On devra donc parfois se coltiner trois ou quatre documents (sur les 37 à récolter) à la suite pour en savoir un peu plus sur l’incident de La Maison du Lac impliquant les Marmont, couple de scientifiques menant des recherches sur la faculté de l’Ombre à utiliser l’art pour refaçonner la réalité.

Bien que la progression soit très fermée, puisque s’étalant simplement sur les cinq étages du complexe, il serait hypocrite de dire qu’on éprouve pas du plaisir à arpenter ces couloirs parsemés de visions de cauchemar, qu’elles soient sous formes de cadavres baignant dans des marres de sang, des immenses salles s’étirant à l’infini ou ces êtres difformes émanant directement de peintures. D’ailleurs, avant de venir à bout de ce nouvel ennemi, vous devrez dans un premier temps les éviter puis récupérer un lance grenades chargés de Pierre noire, la seule substance ayant un effet contre ces créatures. Une façon d’accentuer la tension tout en l’imprégnant d’action. En parlant d’action, The Lake House se veut l’antithèse de Night Springs puisque cette fois, les munitions et autres piles seront en nombre très réduit et ce malgré la présence de diverses scènes d’action contre plusieurs ennemis. Autant dire qu’il vous faudra bien gérer vos flares, switcher intelligemment entre vos armes en fonction des adversaires et surtout bien maîtriser l’esquive.

Les aspirations de ce contenu auront donc tendance à minimiser ce qu’aurait pu être The Lake House, autrement dit une vraie suite au jeu original. Cependant, on appréciera malgré tout la visite tant celle-ci milite pour un type d’horreur « Lynchesque » donnant cette personnalité si marquée au RCU. On naviguera donc ici entre l’excitation et la frustration tout en se frottant déjà les mains en imaginant déjà ce que pourrait raconter Control 2.

Conclusion

Après une escapade rendant hommage à The Twilight Zone, Alan Wake 2 revient avec ce contenu à une horreur plus prégnante, autant dans son ambiance sombre et sanglante que ses créatures ou bien encore son aspect anxiogène. Imbriquant à nouveau l’univers d’Alan Wake et celui de Control, ce contenu délaisse bizarrement l’écrivain au profit des membres du Bureau afin de teaser Control 2. Un partir pris étrange qui pourra laisser sur le bord de la route les fans de Wake n’ayant pas touché à l’autre saga de Remedy. Reste un second DLC à l’immersion réussie oscillant entre action soutenue et écrits métaphysiques mais qui aurait toutefois gagné à davantage penser son scénario afin d’enrichir la mythologie d’Alan Wake plutôt qu’à tracer des lignes multiples entre les deux sagas du développeur finlandais.

Alors qu’on pensait la quête de Sargon terminée, le Mont Qaf entièrement cleané, ses ennemis occis, Ubisoft replonge son prince de perse dans une nouvelle aventure, cette fois au cœur du palais mental de Radjen, ancienne camarade entraperçue au début de The Lost Crown.

Débuter Mask of Darkness revient dans un premier temps à accepter le fait qu’on perde la quasi-totalité de nos capacités et qu’on ne va devoir compter que sur une barre de vie drastiquement raccourcie. Un coup de massue surtout quand on songe à tout ce qu’on a enduré pour se sentir suffisamment puissant afin d’affronter les innombrables pièges et boss du jeu de base. Mais c’est à ce prix que tient la découverte de ce contenu aussi inspiré que pervers dans ses moments les plus retors.

Vendu moins de 5 euros et affichant une durée de vie d’environ 2h (en fonction de votre niveau), Mask of Darkness est un DLC intéressant sous bien des aspects. Déjà, la surface de jeu proposée est vaste et le tout est davantage axé plates-formes qu’action, ce qui en soi est une bonne nouvelle. D’autant plus vrai que cette extension intègre deux nouvelles mécaniques. La première propose de frapper des sortes sphères nous faisant rebondir dans une direction donnée alors que la suivante permet d’utiliser des téléporteurs nous permettant d’aller d’une branche à l’autre. Vu sous cet angle, ces ajouts peuvent sembler sommaires mais la plupart des puzzles les utilisent à merveille et offrent certains passages vraiment corsés, dans la droite lignée des énigmes du jeu orignal en mettant en avant les sauts, dashs, et un timing parfait.

Parcourir ce DLC reviendra à retomber dans une spirale de die & retry qui malheureusement s’avère ici plus énervante à cause de la gestion des sauvegardes. En effet, bien qu’il soit maintenant possible de voyager d’un arbre Wak-Wak à un autre, ceux-ci sont très espacés, ce qui fait qu’à chaque Game Over, on réapparaitra à un arbre, ceci nous obligeant à refaire tout le chemin pour arriver à la séquence où on est mort. Sachant que notre santé est réduite, que nous n’avons que cinq flacons de vie et que l’amulette Robustesse (réduisant les dégâts environnementaux) n’est plus disponible, le tout devient tellement irritant qu’on devra aller dans les options pour baisser les dégâts pour le bien de notre santé mentale. Frustrant pour qui aime les défis mais préférable pour gagner du temps et se focaliser sur le challenge en lui-même.

On notera également un nouveau bestiaire assez limité (seulement trois ennemis inédits) même si ce n’est pas un vrai problème en soi d’autant que le contenu se termine sur un combat de boss impressionnant et vraiment éprouvant compte tenu de la rapidité de Radjen et de ses nombreux patterns. On aura également le plaisir d’affronter Artaban, le combat se voulant bon enfant (la petite tape sur les fesses lors de l’attaque spéciale de notre camarade !) mais malgré tout assez technique.

Au final, Mask of Darkness remplie parfaitement son office jusque dans son scénario, limité mais suffisamment profond (dans tous les sens du terme) pour qu’on ait envie de plonger dans la psyché de Radjen afin de découvrir ses origines. Profitant d’une DA très réussie et pouvant à nouveau se reposer sur un gameplay précis et agréable, cette extension prolonge l’aventure originale d’une bien belle façon.

Conclusion

S’intégrant dans le prolongement de The Lost Crown, Mask of Darkness est un contenu de très bonne qualité. Passée la frustration de perdre la quasi intégralité de nos capacités, on intègre rapidement les nouvelles mécaniques et le plaisir de la découverte refait surface. Nanti d’une très belle DA et d’un excellent level-design, le tout se poncture par un combat de boss aussi impressionnant que technique. Parfois agaçant à cause d’une gestion des points de sauvegarde maladroite, Mask of Darkness reste néanmoins une expérience exigeante et enivrante.

Si Astro avait déjà fait sensation avec son épisode VR ou Astro Playroom (proposé gratuitement sur toutes les PS5), il n’avait jamais eu le droit à un jeu plus conséquent, pensé comme une véritable expérience, complète et vendue au prix fort. C’est désormais chose faite avec Astro Bot qui parvient à conjuguer aspect kawai, level design millimétré et immense plaisir de jeu.

Débutant par une parodie du plan d’ouverture de Star Wars : A New Hope, Astro Bot donne le La de l’aventure à venir. Melting pot ultra référentiel, le nouveau bébé de la Team Asobi entend brasser des années de jeux vidéo et de culture geek à travers son univers plus mignon et inspiré que jamais. Pensé à la base pour mettre en avant les fonctionnalités de la DualSense, Playroom aura donc servi de terreau pour Astro Bot et de terrain d’expérimentation pour la petite équipe d’une 40aine de développeurs. De fait, le titre ne cherche jamais à repenser un concept mais bel et bien à l’améliorer jusqu’au boutisme. Le résultat est d’autant plus surprenant car si dans sa construction, il reste finalement très académique, c’est bel et bien à travers ses situations, son visuel, sa technique même, qu’il parvient à subjuguer le joueur.

Se reposant sur un script servant de prétexte au voyage à venir, le titre se découpe désormais en plus de 80 niveaux (de longueur variable) répartis à travers six galaxies. Les principales, pensées sur un modèle similaire, vous inviteront à arpenter plusieurs niveaux afin de récupérer suffisamment de Bots pour débloquer l’accès aux boss, gigantesques et aux patterns assez faciles à appréhender. De son côté, la galaxie secrète vous permettra « simplement » de profiter de onze niveaux bonus dont l’accès est disséminé dans ceux principaux. Ainsi, tout vous incitera à l’exploration, ne serait-ce que pour récolter les 173 Bots spéciaux, chacun renvoyant à une licence phare ayant élu domicile sur l’une des consoles Sony. Resident Evil, Journey, Metal Gear Solid, Persona, Wild Arms, autant de nostalgie condensée en un seul jeu n’est pas chose courante.

Si on aurait aimé un glossaire avec des informations sur les personnages/licences récoltés, cette chasse en devient presque l’élément central, celui procurant une excitation certaine, d’autant que chaque personnage dispose de sa petite animation, craquante et retranscrivant parfaitement un passage/gimmick culte du jeu dont le Bot est issu. On comprend alors mieux pourquoi la Team Asobi en a caché autant et inondé son bébé de collectibles synonymes de couleurs différentes pour notre vaisseau, différents skins & animations, etc. Pourtant, au-delà de ce fan service, se cache bel et bien un grand jeu de plates-formes, aussi beau que maitrisé techniquement, aussi accessible dans sa progression principale qu’exigeant dans ses niveaux bonus.

Tout dans Astro Bot semble avoir été pensé pour ne jamais créer la frustration chez le joueur. En premier lieu, il convient donc de saluer la gestion de la difficulté. En effet, si dans son ensemble le jeu s’avère simple et sans prises de tête, le terminer à 100% sera un peu plus complexe. L’aspect die & retry s’invitera même dans les challenges les plus corsés, qu’ils consistent à éliminer des ennemis sur une arène s’effritant sous nos pas ou à terminer des parcours truffés de pièges demandant une connaissance parfaite pour être terminés. Si mourir en boucle n’est jamais réjouissant pour qui que ce soit (hormis les fans des From Software), le fait de retenter un niveau n’est jamais vraiment punitif ou frustrant (jusqu’à un certain point) dans Astro Bot, ne serait-ce que grâce au SSD qui efface quasiment tout loading en nous proposant de recommencer le niveau avant même qu’on ait pu vraiment s’énerver. L’autre élément vient également du fait qu’on tire partie de nos échecs en progressant un peu plus à chaque essai, l’erreur nous incombant davantage qu’au gameplay à proprement parlé qui reste d’une grande précision.

A ce sujet, les développeurs japonais ont agrémenté ce nouvel épisode de quelques ajouts bienvenus. Si la maniabilité de base reste identique autant dans la gestion des sauts que du move set, la palette s’agrandit en utilisant divers costumes ou à travers les niveaux spéciaux dédiés à certaines des franchises de PlayStation. Bien qu’on retrouve le costume de singe pour faire de l’escalade (moyennant une utilisation de la gyroscopie et des gâchettes adaptatives de la DualSense), d’autres (le vaisseau spatial, la grenouille) ont été mis de côté et remplacés par de nouveaux. On pourra ainsi utiliser un chien fusée pour foncer sur nos adversaires, rapetisser, ralentir le temps, créer des gouttelettes pour atteindre des endroits inaccessibles, se transformer en éponge géante, etc. Les possibilités sont nombreuses tout comme les niveaux pensés autour de ces nouvelles capacités. C’est d’ailleurs ce qui fait la richesse d’Astro Bot qui, bien que reprenant des univers déjà exploités, donne l’impression de se réinventer au fil de la progression.

La redondance des situations n’est donc jamais présente car bien que des capacités soient réutilisées au grès de divers niveaux, ces derniers changent constamment de lieux en nous transportant d’un univers japonais à un autre gothique, flower power, en pixel art, sous-marin, etc. La cerise sur ce copieux gâteau reste bien entendu les niveaux dédiés à des licences PlayStation à l’image de Ape Escape, God of War, Horizon ou bien encore Uncharted. Ces derniers jouent encore plus sur la corde nostalgique tout en proposant un gameplay spécifique. On pourra ainsi utiliser le gun de Nathan Drake ou la hache de Kratos dans des stages condensant à merveille les éléments les plus iconiques des jeux qu’ils parodient, jusque dans leur excellente bande-son réadaptant les morceaux les plus iconiques.

S’inspirant ouvertement des ténors du genre à commencer par les Mario 3D, Astro Bot est un jeu exceptionnel, ouvertement feel good et remettant constamment une pièce dans la machine afin de ne jamais lasser le joueur. Sans être parfait (certains rares sauts manquent de précision à cause d’une profondeur pas toujours parfaitement gérée, le déblocage des niveaux bonus nous sortant automatiquement du niveau en cours est agaçant), le titre de la Team Asobi transpire tellement l’amour du travail bien fait, en plus de celui de la marque PlayStation, qu’il en devient subjuguant en plus d’être terriblement addictif. Comme toutes les bonnes choses, on aurait aimé qu’il dure davantage que ses 15h (pour atteindre le 100%) mais le relancer rien que pour profiter des centaines d’animations de Bots procurera un plaisir instantané. Un aspect qui ne trompe en attendant le DLC gratuit synonyme de quelques niveaux/Bots supplémentaires. On en trépigne d’impatience.

Conclusion

Astro Bot reprend le concept de ses aînés en l’amplifiant, en le bonifiant. En résulte un jeu extraordinaire, s’inspirant notamment des Mario tout en proposant un excellent level design et une parfaite gestion de la difficulté afin de ne jamais frustrer le joueur. Beau à pleurer, parfaitement maniable, brassant quantité de licences cultes à travers ses Bots tous plus kawai les uns que les autres, le jeu de la Team Asobi se savoure durant la 15aine d’heures nécessaires pour le boucler à 100% et devrait encore se bonifier dans les semaines à venir avec le contenu gratuit d’ores et déjà annoncé.

Marchant dans les traces de nombreuses aventures narratives à commencer par Firewatch, Under The Waves mélange message écologique et récit introspectif ou quand la douleur d’un père de famille le pousse à littéralement disparaître de la surface de la Terre.

Contemplatif et relaxant, le titre de Parrallel Studio pose d’entrée de jeu les bases de son récit, sorte de fil rouge émaillant les 15 heures nécessaires pour voir le bout de l’aventure. Pour fuir un événement tragique, Stan plonge littéralement dans son travail en acceptant un job de technicien pour le compte de la société UniTrench. L’originalité du poste fait qu’il doit passer plusieurs mois en pleine mer du Nord, dans une station, en autarcie, afin d’entretenir les infrastructures du groupe pétrolier. Seul, quasiment coupé du reste du monde, il pourra toutefois compter sur Tim, une vieille connaissance de son père, qui, en tant que superviseur et ami, lui prodiguera conseils personnels tout en lui donnant son lot de tâches quotidiennes à réaliser. On touche ici du doigt la structure du jeu, routinière puisque découpée en plusieurs journées, mais véritable invitation à la découverte des fonds marins.

Ainsi, pour tenter de casser une certaine redondance, les développeurs ont pensé leur concept en imbriquant gameplay, narration et message écologique dans un tout homogène allant crescendo. Ceci passe en premier lieu par la nature des missions qui nous obligeront à sillonner le hub marin : Nettoyage de zones polluées par des hydrocarbures, remise en marche de certaines machineries, récupération de containers, tout ceci vous demandera d’explorer les alentours à bord de Noon, votre mini sous-marin. Chaque sortie sera alors l’occasion de profiter d’un univers très reposant, les diverses zones recelant plusieurs épaves, cavernes et autres infrastructures peuplées d’animaux marins. Il ne tiendra alors qu’à nous de photographier tout ceci pour en apprendre davantage sur notre environnement, chaque entrée enrichissant un copieux glossaire, ou tout simplement apprécier le voyage en contemplant la nage gracieuse d’une baleine à bosse ou le ballet d’un banc de requins.

Déroulant son récit au grès des journées, Under The Waves opte, à l’image de Firewatch, pour un aspect chill bien que dans le cas présent, les tenants et aboutissants du scénario soient dès le départ trop évidents. On apprend ainsi très vite que Stan a perdu sa fille et qu’il s’est éloigné de sa femme Emma qu’il pourra par ailleurs appeler à certains moments, depuis la station. Si le jeu cherche à apporter une sorte de quotidien à travers diverses actions (faire du café, regarder la télévision, parler avec une IA nous donnant informations et conseils pour passer le temps…), il appuie malheureusement trop souvent sur la corde sensible en rallongeant inutilement certains dialogues (malgré un très bon doublage français), ou en abusant des (pourtant magnifiques) musiques de Nicolas Bredin influencées par Radiohaed ou bien encore Sigur Ros, pour accentuer les états d’âmes de Stan.

La façon de faire pourra paraître un peu grossière d’autant qu’en parallèle, le budget du jeu, qu’on imagine limité, est synonyme de certains choix involontairement drôles comme le fait que Stan se douche avec son bonnet et sa combinaison. Anecdotique mais n’aidant pas toujours à s’immerger pleinement, au sens propre comme au sens figuré. Au final, on aurait apprécié que les développeurs laissent tomber certains détails « Naughty Dogesques » (le fait de faire des grimaces devant la glace) pour se concentrer sur d’autres plus importants, d’ordre techniques par exemple. On saluera toutefois la bonne idée d’avoir intégré deux mini-jeux plutôt sympathiques (le punching ball et la guitare) afin de varier les occupations lors des retours de missions ou bien encore le suivi pour résoudre les nombreux bugs présents lors du lancement.

Mentionnons également des ambiances lorgnant avec le genre horrifique, à l’image de certains passages évoquant un titre comme Dead Space, aussi bien à travers le décor, la lumière ou le son. Pour autant, pas d’ennemis dans Under The Waves, ni de véritable Game Over. On devra cependant ramasser quelques matériaux (charbon, algues…) pour améliorer notre équipement ou construire des tubes d’oxygène, des mines et autres boosts de plongée. Cet aspect ne sera néanmoins jamais bloquant compte tenu du fait qu’on trouvera de multiples objets afin de ne jamais être dans une impasse en nous obligeant à trouver un établi pour crafter.

On pourra alors profiter pleinement de l’atmosphère du jeu et de chaque plongée d’autant que le gameplay s’avère agréable, autant en pilotant Moon qu’en nageant. Se faisant, Under the Waves déroulera son histoire en essayant de développer la personnalité de Stan. Malheureusement, on notera encore une fois quelques lourdeurs d’écriture, notre bougre ne cessant jamais vraiment de se morfondre en ressassant inlassablement le passé. On finirait presque par espérer entendre Stan et Tim maugréer contre UniTrench et oublier ce qui nous a amené ici. Etrange sensation donc, à l’image du jeu oscillant entre de très beaux panoramas, une ambiance réussie et des phases narratives presque intrusives bien qu’indispensables à l’avancée de l’intrigue.

Conclusion

Profitant d’une très belle ambiance, de superbes musiques et d’une progression agréable, Under The Waves échoue malheureusement à proposer une histoire suffisamment convaincante, la faute à de grosses lourdeurs d’écritures et un personnage retombant inlassablement dans un état semi dépressif au point de plomber le récit, et ce malgré la beauté de quelques idées de mises en scène. Reste néanmoins un jeu intéressant, par moments très immersif, et intégrant intelligemment sa dimension écologique.

Inarrêtable en matière de DLC, Kakarot conclue son deuxième Season Pass en adaptant ni plus ni moins que les derniers épisodes de Dragon Ball Z. Une façon logique de boucler cette série de contenus en attendant de possibles nouvelles extensions qui adapteraient Dragon Ball Super ou, pourquoi pas, la future série Daima. Remettant, à l’instar du 23ème Tenkaichi Budokai, le tournoi des arts martiaux en avant, ce DLC milite une dernière fois pour un jeu entièrement acquis à son matériau d’origine et à ses fans. L’originalité y est absente, la fidélité une fois encore exemplaire mais malheureusement, le résultat est ici en demi-teinte.

Construit sur les mêmes bases que le précédent contenu, Le Dernier Voyage de Goku n’en a pourtant pas la même saveur. Pourquoi donc ? A mon sens, la réponse n’est pas à chercher bien loin et repose simplement sur le fait que les dernières pages de Dragon Ball Z sont largement moins bonnes que les premières, notamment à cause de la fatigue de Toriyama et de son envie de mettre un terme à son magnum opus qui lui aura valu la passion immodérée de millions de Gagabaliens à travers le monde. Il était donc évident que le contenu de CyberConnect 2 subisse de plein fouet les mêmes écueils tant il s’est employé dès le départ à adapter le plus fidèlement possible le manga/anime quitte à miser davantage sur ses cinématiques (somptueuses) que sa construction, ses quêtes voire, dans une certaine mesure, son gameplay. C’est donc sans surprises que ce dernier contenu profite lui aussi des qualités du jeu original mais aussi de ses plus gros défauts d’autant qu’à l’inverse du 23ème Tenkaichi Budokai, les développeurs n’ont pas réussi à reproduire cette émulsion entre les activités proposées. En résulte un DLC très classique autant dans son absence totale de prise de risques que dans les combats proposés, du moins à une exception près. Certes, on aura le plaisir d’incarner Pan mais passé l’aspect kawai de la chose, on fera vite le tour des capacités de la mistinguette, uniquement lors de combats au sol. Bien entendu, l’affrontement contre Uub représentera le climax de ce DLC et si celui-ci s’avère plutôt cool, il ne peut rivaliser avec le combat final, contre Piccolo, de l’avant dernier contenu, autant dans son intensité que dans ses possibilités.

Si cette extension n’essaie même plus de noyer le poisson via des activités annexes centrées autour de combats de horde, on peut toujours profiter de plusieurs missions secondaires nous rapportant de l’exp et des objets. Malheureusement, celles-ci sont totalement inintéressantes, mal écrites et preuves, si il en était besoin, que les scénaristes n’ont même pas essayé de donner du corps et du cœur au récit initial. L’intégration des Souvenirs, synonymes d’anciens combats qu’on peut rejouer sous couvert d’un entraînement mental de Goku, renvoient de leur côté à ce que le jeu original proposait déjà. Une solution de facilité pour rallonger un peu la durée de vie.

Enfin, on trouve également un arc autour de Vegeta (Saga des deux saiyens) avec la possibilité de l’affronter. Un passage quasi obligatoire tant les deux frères ennemis ont toujours assouvi leur recherche perpétuelle de puissance à travers des combats ayant émaillé toute la saga. Si le fait d’avoir droit à un énième affrontement contre le prince des Saiyens n’est donc pas très étonnant, il faut toutefois saluer la magnifique mise en scène mêlant présent et passé afin de sacraliser la relation entre les deux hommes. Un passage superbe, excitant (Vegeta met vraiment la pression lors de la deuxième moitié du combat) et ici aussi représentatif de la qualité globale de la réalisation. C’est donc encore plus décevant qu’entre deux rixes nerveuses, l’amateur de RPG n’ait finalement pas grand-chose à se mettre sous la dent.

Conclusion

Après une très bonne extension, Dragon Ball Z Kakarot s’essouffle avec son dernier DLC. Si on y trouve encore quelques fulgurances (la magnifique mise en scène du combat entre Goku et Vegeta), CyberConnect 2 s’est bien trop reposé sur ce qu’ils avaient proposé jusque là sans jamais chercher à apporter un soupçon de nouveauté. En résulte un contenu en demi-teinte, redondant, exaltant par moments mais au final sans surprises et bien trop routinier sur le fond. Une conclusion plutôt décevante.

Bien que Robocop ait depuis longtemps atteint un statut d’icône de la pop culture, on compte peu d’adaptations. Quatre long-métrages, deux séries TV en prise de vue réelle et deux en animation, voici pour l’aspect cinématographique et télévisuel. Du côté des jeux vidéo, c’est encore plus light puisqu’on dénombre simplement sept titres (dont un sur mobiles et un sur bornes d’Arcade) entre 1988 et 2004. Rogue City était donc très attendu par les fans bien que développé par Teyon, responsable du peu recommandable Terminator : Renaissance et de l’exécrable Rambo : The Video Game. Pourtant, au vu du résultat, on a envie de se dire que tout arrive car aussi étonnant que cela puisse paraître, Rogue City est de loin la meilleure adaptation vidéoludique du Super flic de Detroit.

Compte tenu de la radicalité de l’histoire ou de l’atmosphère poisseuse des deux premiers films, dont se revendique le jeu, tout laissait présager un résultat des plus bourrins nous demandant simplement d’aller d’un point A à un point B en zigouillant des hordes de punks. Si cet aspect du jeu est bel et bien présent et oh combien jouissif, ce qui étonne en premier lieu dans Rogue City est son envie de raconter une histoire en utilisant autant que faire se peut l’ensemble de ses protagonistes, de Lewis aux Forces de police en passant par le grand patron de l’OCP. Chaque membre du casting a son intérêt que ce soit à travers les missions principales ou celles secondaires, nombreuses, pas toujours équilibrées mais offrant au titre une véritable immersion.

DIRECTIVE N°1 : RACONTER UNE BONNE HISTOIRE

Se déroulant entre les deux premiers films, l’intrigue de Rogue City met en scène un mystérieux «Nouveau gars en ville » qui semble vouloir faire main basse sur le Vieux Detroit avec l’aide des gangs locaux. Tout en essayant de dénicher l’identité de ce nouveau caïd, Murphy ne tarde pas à comprendre que quelque chose de plus grand que le trafic de Nuke est en jeu. Poussant son investigation, Alex va également devoir affronter des souvenirs de son passé et découvrir qui il est vraiment : Robocop, le super flic de l’OCP, ou le policier revenu d’entre les morts. Jouant avec les thématiques du film, le titre de Teyon n’oublie pas non plus de saupoudrer son intrigue de ce cynisme omniprésent dans le long-métrage original, autant à travers les prises d’antenne des médias, passant allégrement de l’annonce d’un décès à celui d’un concours du plus gros mangeur de hot-dogs, que diverses compagnies vantant les mérites de leurs services via des pubs radio au ton plus décalé les unes que les autres. A ce sujet, ne passez à côté de ces dernières et allumez les radios quand vous en avez l’occasion. Dans le cas contraire, vous louperiez de véritables petites pépites d’humour noir.

Le développeur polonais parvient donc à nous étonner du point de vue de l’écriture car si celle-ci repose grandement sur l’héritage laissé par Verhoeven, on sent la volonté de bien faire, en imbriquant les personnages qu’on connaît à travers des intrigues inédites tout en ouvrant d’ores et déjà la porte à une suite qui aurait mine de rien l’occasion de se réapproprier le catastrophique Robocop 3 pour en livrer une version plus violente, plus immorale, dans la veine de celle des deux premiers films. Mais nous n’en sommes pas encore là. Rogue City profite donc d’une quantité non négligeable de quêtes principales pour faire avancer son intrigue en trois actes ainsi que de diverses quêtes secondaires. Si ces dernières sont forcément plus limitées, elles permettent de développer certains personnages à l’image de la jeune recrue Ulysse Washington qu’on prend plaisir à voir évoluer d’autant que certains de nos choix impacteront (de façon mesurée) sur la progression du policier. Le scénario de Rogue City tient la route, s’avère intéressant et c’est en soi une prouesse d’autant que la mise en scène très figée des dialogues (simplement synonyme de champ /contre-champ) et le niveau technique de ces dernières n’aident pas vraiment à l’immersion. Cependant, pour palier à cet état de faits, l’excellent doublage (profitant de la voix de Peter Weller, toujours aussi à l’aise dans le rôle de Robocop) et sound design (le bruit de pas si caractéristique de Robocop ou bien encore celui de son pistolet M93R sonnent toujours aussi juste) aident grandement, tout comme le fait de visiter plusieurs lieux cultes des films.

DIRECTIVE N°2 : PROPOSER PLUS QU’UN SIMPLE FPS

De fait, si dans sa construction, le jeu est très classique, il alterne toutefois entre des passages imposés par le scénario et une zone semi-ouverte où on reviendra à plusieurs occasions dans des versions différentes (jour / nuit / en pleine émeute). Ici aussi, c’est assez étonnant et appréciable puisque cela permet au scénario d’avancer tout en offrant aux joueurs la possibilité de prendre leur temps en optant pour des missions annexes ou visiter le Vieux Detroit afin de côtoyer la populace, mettre des amendes si on assiste à un délit voire même de procéder à quelques phases d’enquêtes parfois longuettes et mal pensées (puisque nous obligeant à faire plusieurs allers-retours entre divers lieux) mais apportant un peu d’originalité. L’idée est plutôt marrante mais aurait pu être davantage développée à l’image de la mission dans le commissariat nous demandant de prendre les dépositions et d’opter pour la «sentence» parmi trois choix possibles en se mettant plutôt du côté de la loi ou en se montrant plus tolérant.

Outre le plaisir d’évoluer dans des décors plutôt jolis, ces pérégrinations donneront aussi et surtout la possibilité de récupérer de l’EXP (en terminant une mission, en récupérant des preuves…), des puces ainsi que des cartes-mère. Comme dans beaucoup de titres, l’expérience vous mettra d’obtenir des points de compétence qui serviront à débloquer plusieurs skills : dash, possibilité de récupérer de la santé grâce à des boîtes à fusibles, mode Bullet Time, orientation des dialogues. Les possibilités sont suffisamment nombreuses pour avoir une véritable incidence sur la difficulté du jeu, plutôt faible (même en mode Extrême) hormis quelques passages assez retors contre certains boss ou des hordes de robots tueurs. Néanmoins, si vous désirez débloquer l’ensemble des compétences, il vous faudra automatiquement passer par le New Game+, ceci offrant une certaine rejouabilité d’autant que plusieurs skills permettent de transcender les gunfights en les rendant encore plus jouissifs.

Cet aspect est également amené par les cartes mère mentionnées plus haut qui vous permettront de booster certains aspects de votre stuff. De plusieurs types (proposant plus ou moins d’améliorations), vous ne pourrez toutefois en activer qu’une à la fois, l’idée étant donc d’opter pour la plus complète. Une fois ceci fait, vous n’aurez alors qu’à placer les puces (ici aussi de différents types liées à leurs connexions et à des pourcentages d’augmentation) afin d’atteindre les bonus qui vous intéressent. La petite astuce est qu’il faudra placer les bonnes puces aux bons endroits tout en évitant qu’elles n’activent des malus. Notons qu’il est également possible de fusionner des puces pour en obtenir de nouvelles. Malheureusement, la feature s’avère loupée puisque basée sur de l’aléatoire. Admettons que vous fusionniez trois puces à trois branches disposant d’un pourcentage de 25%. Vous n’aurez pas automatiquement une puce à trois branches de plus de 25% comme résultat. Au contraire, celui-ci sera des plus illogiques, comme par exemple une puce à deux branches de 18%. On laissera donc rapidement tomber cette fusion d’autant plus inutile que les puces à dénicher sont légion et bien suffisantes pour booster significativement la puissance de Robocop.

DIRECTIVE N°3 : SOIGNER LE GAMEPLAY

Au delà de son aspect light RPG plutôt bien digéré, Rogue City se repose aussi sur un gameplay extrêmement efficace synonyme de gunfights tous plus excitants les uns que les autres. Sur ce point, Teyon a fait de l’excellent travail et c’est un véritable plaisir de dézinguer du malfrat en faisant exploser les têtes ou en sulfatant décor et ennemis dans des ralentis rendant cette débauche d’action encore plus esthétique. Influencés par les gunfights de Matrix et ceux de F.E.A.R., les affrontements de Robocop : Rogue City prennent le meilleur de leurs inspirations tout en proposant un très bon feeling quelle que soit l’arme choisie. Ce n’est d’ailleurs pas un hasard si la plupart du temps on utilisera celle de base tant elle est iconique et complémentaire des autres pétoires.

En effet, là où les autres armes (pompe, mitraillette, uzi…) seront à privilégier dans des endroits plus exigus afin de faire rapidement le ménage, le flingue de Robocop a de nombreux avantages à commencer par sa redoutable précision à longue distance. Ainsi, grâce à notre ciblage, on pourra très rapidement repérer tous les adversaires pour les flinguer dans la foulée. Le M93R est si puissant (d’autant qu’on peut également améliorer ses performances et qu’il dispose de munitions infinies) qu’on ne le laissera jamais de côté. Il s’avérera même plus efficace que certains fusils de précision ou pétoires plus modernes. Pour autant, comme je le précisais plus haut, le feeling des armes est tellement agréable qu’on ne se fera pas prier pour switcher entre tous nos joujoux ou même utiliser le combo dash/ralenti/coup de poing, tout simplement parce-que c’est fun !

Fun, c’est sans doute le mot qui définit le mieux cette nouvelle adaptation de Robocop, aussi ambitieuse que bourrine, aussi cynique que drôle, aussi immersive que nostalgique. Certes, le niveau technique fait parfois peine à voir (surtout durant les cinématiques), oui, Teyon a sans doute vu trop grand en n’arrivant pas toujours à concrétiser ce qu’ils avaient en tête, OK, il y a quelques éléments de gameplay mal pensés (le fait de dasher uniquement lors des gunfights et donc d’obliger le joueur à « trottiner » lors des phases d’explo) mais dans l’absolu, le jeu démontre aussi que le studio a appris de ses erreurs passées afin de proposer un produit allant plus loin que le simple FPS qu’il aurait pu être. La fin de Rogue City préfigurant d’ores et déjà une suite, on est très impatients de retourner à Detroit afin de casser du ninja cybernétique !

Conclusion

Ployant parfois sous le poids de ses ambitions, ne maîtrisant pas toujours sa narration, Robocop : Rogue City fait plusieurs faux-pas tout en conservant l’envie de proposer autre chose qu’un FPS lambda. La bonne volonté du studio (qui avait tout à prouver) fait donc plaisir à voir d’autant que les gunfights sont excellents et que l’histoire profite d’un fan service jamais intrusif ajoutant à une histoire assez classique mais s’intégrant plutôt bien entre les deux premiers films. Nous n’en attendions honnêtement pas tant.